Exposition Apollinaire, le regard du Poète

Exposition du 6 avril au 18 juillet 2016, Musée de l’Orangerie, Paris

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Poète, critique, découvreur des arts africains, ami des artistes, Apollinaire s’est révélé un acteur central de la révolution esthétique qui donna naissance à l’art moderne. Apollinaire a « situé une fois pour toutes la démarche d’un Matisse, d’un Derain, d’un Picasso, d’un Chirico (…) au moyen d’instruments d’arpentage mental comme on en avait plus vus depuis Baudelaire » déclarait Continuer la lecture de Exposition Apollinaire, le regard du Poète

Petit Palais : Dans l’atelier. L’artiste photographié d’Ingres à Jeff Koons

Exposition du 5 avril au 17 juillet 2016

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Depuis les débuts de la photographie, les ateliers d’artiste fascinent les pho­tographes. Qu’elle documente les intérieurs et tire les portraits des artistes en vogue, qu’elle s’intéresse au geste créateur ou qu’elle prenne l’atelier comme métaphore de la naissance des images, la photographie n’a de cesse depuis le XIXe siècle de pénétrer et d’explorer ces espaces où s’élabore l’œuvre d’art. Ja­mais une exposition n’a traité à grande échelle et de façon aussi spectaculaire ce regard photographique sur l’atelier.

Gérard Rondeau, Paul Reyberolle, atelier de Boudreville, 1988
Gérard Rondeau, Paul Reyberolle, atelier de Boudreville, 1988

L’exposition, loin d’être une présentation exhaustive des photographies d’ateliers depuis la naissance du procédé, interro­ge la persistance d’une fascination. Pour tenter de l’expliquer, l’exposition déroule au fur et à mesure du parcours trois thématiques : l’artiste en majesté, la vie dans l’atelier et l’atelier comme laboratoire du regard.Près de 400 photographies permettent au public de s’approcher au plus près du processus de création de l’artiste, depuis Ingres, en passant par Picasso, Matisse, Bourdelle, Zadkine, Brancusi, jusqu’à Joan Mitchell, Miquel Barcelo ou encore Jeff Koons.

Manicule A cette occasion, France Culture et les archives INA rediffusent une série d’archives radiophoniques intitulées [MEMOIRES VIVES ] Ateliers d’artistes, Artistes à la tâche. Première rediffusion : Dans l’atelier Fernand Léger le 03/07/1949

Exposition Jeu de Paume : François Kollar, Un ouvrier du regard

Exposition du 9 février au 22 mai 2016

François KOLLAR, Sans titre [Emboutissage des couverts, usine Christofle, France] 1957-1958. Épreuve gélatino-argentique d‘époque, 30 x 21,6 cm. Donation François Kollar, Médiathèque de l‘architecture et du patrimoine, Charenton-le-Pont
François KOLLAR, Sans titre [Emboutissage des couverts, usine Christofle, France], 1957-1958.
Épreuve gélatino-argentique d‘époque, 30 x 21,6 cm. Donation François Kollar, Médiathèque de l‘architecture et du patrimoine, Charenton-le-Pont

François Kollar (Senec, Slovaquie, 1904 (anciennement Szenc, Hongrie) — Créteil, 1979), employé des chemins de fer dans son pays natal, puis tourneur sur métaux dans les usines Renault de Boulogne-Billancourt, devient photographe professionnel à l’âge de 24 ans après avoir acquis une riche expérience de chef de studio chez l’imprimeur parisien Draeger. Sa connaissance intime du monde du travail, de la publicité à la mode en passant par l’industrie, l’artisanat et l’agriculture, lui permet d‘aborder les outils, les matériaux et les gestes avec une expertise professionnelle exceptionnelle.

 

Manicule  découvrir et lire la présentation de l’exposition sur le site du Jeu de Paume.

Manicule  Consulter et télécharger le très complet  DossierDocumentaire_FrancoisKollar

Bruxelles Biennale Art Nouveau et Art Déco 2017

La Biennale Art nouveau et Art Déco évolue et change de concept. Elle devient un événement annuel appelé le Brussels Art nouveau & Art Deco Festival qui annoncera le printemps.

La première édition de ce festival, unique en Europe, se déroulera du samedi 11 mars au dimanche 26 mars 2017.

Le programme comprendra :

  • des visites d’intérieurs exceptionnels,
  • découvertes de maisons privées, bâtiments scolaires, industriels et publics,
  • des promenades à pied, en car et à vélo.
  • des concerts, projections, expositions et événements culturels.

Un vrai festival consacré à la variété architecturale de ces deux styles majeurs de l’architecture bruxelloise: l’Art nouveau et l’Art Déco.

http://www.voiretdirebruxelles.be/fr/evenements/banad-festival

L’affaire Arnolfini

Les tableaux des maitres flamands n’en finissent pas de fasciner un public de plus en plus nombreux et diversifié. Jean-Philippe Fostel n’est pas historien d’art mais médecin et c’est peut- être ce qui lui permet de poser un regard nouveau sur une œuvre  peinte en 1434 par Jan Van Eyck,  » énigmatique, étrangement belle, sans précédent ni équivalent dans l’histoire de la peinture« . En s’appuyant sur les écrits antérieurs consacrés aux Epoux Arnolfini , l’auteur propose une véritable étude clinique , détails après détails, pour aboutir à une nouvelle hypothèse qui pour l’heure n’a provoqué aucun remous  dans les monde de l’histoire de l’art : le tableau ne serait pas qu’un épisode nuptial mais un autoportrait familial de l’artiste, montrant pas les lieux et les symboles une nativité à venir, par la figure de la femme le visage d’une épouse défunte … Au delà de ces nouvelles hypothèses émerge une méthode d’observation et d’analyse rigoureuse et formatrice.

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Hors collection Actes Sud
Mars, 2016 / 11,5 x 21,7 / 160 pages
ISBN 978-2-330-06091-6
prix indicatif : 18, 00€

L’art et le Sacré : pistes bibliographiques

Ces orientations bibliographiques ne prétendent aucunement à l’exhaustivité. Il s’agit avant tout de proposer quelques éléments (exclusivement en langue française) pour engager la réflexion ; ceux-ci ont été choisis à la mesure d’une première exploration du sujet et appellent des compléments.

Il a été fait le choix de ne mentionner aucun titre dévolu strictement à un artiste en particulier (exemple : le catalogue de l’exposition au Louvre l’année dernière intitulée « Poussin et Dieu », ou un article sur le sacré chez Rothko) afin de laisser ouverts tous les choix. On se contentera simplement de mentionner que certaines œuvres étudiées dans le cadre de précédentes et actuelles questions monographiques ou thématiques au programme d’histoire des arts peuvent être mobilisées (John Cage, Sergei Eisenstein, Le Corbusier, Henri Matisse, Michel-Ange, Auguste Perret…).

Après une première partie spécifiquement dédiée à la question du sacré, nous avons choisi de suivre les trois axes proposés (représentations artistiques du sacré ; l’art, partie prenante du rite ; la sacralisation de l’art). Dans la mesure du possible, nous avons accompagné les références de quelques remarques à titre indicatif.

Vincent Casanova

 

Un usuel pour commencer 

Brigitte Bouc, Brigitte Brunet, Dominique Chansel, Jean-Michel Pitaud et Anne Sellier (dir.), L’art et le sacré, « Petits dossiers de l’histoire des arts », CRDP-Aix-Marseille, 2011, 72 p. Il s’agit de l’ouvrage élaboré par des formateurs de l’académie d’Aix-Marseille lors de l’instauration du programme d’histoire des arts au collège.

Une présentation ici : http://www.cndp.fr/crdp-aix-marseille/spip.php?article402

 

I- Quelques références sociologiques et anthropologiques sur la notion de sacré     

Trois travaux canoniques

  • Roger Caillois, L’Homme et le sacré, Paris, Gallimard, « Folio », 1988 (1e parution en 1939).  Lucien Febvre, dans son compte-rendu dans les Annales au moment de la réédition en 1951, parle déjà d’un « classique ».
  • Mircea Eliade, Le Sacré et le profane, Paris, Gallimard, « Folio », 1988 (1e parution en 1965). La référence à Eliade peut surprendre tant elle ne fait plus aujourd’hui autorité, voire est discréditée, dans le champ de la sociologie religieuse. En effet, au-delà de son engagement dans le fascisme tout au long des années 1930 et jusqu’en 1945, c’est la rigueur même de ses démonstrations qui a été mise en cause. Son influence a toutefois été considérable dans la seconde moitié du XXe siècle, en particulier sur la création artistique, et c’est à ce titre notamment que le livre importe.
  • Marcel Mauss, Les Fonctions sociales du sacré. Œuvres I, Paris, Éditions de Minuit, 1968. Ses travaux sont bien antérieurs puisque Mauss meurt en 1950 ; sa théorisation du sacré prend la forme d’une discussion du travail d’Émile Dukheim qui assura une « révolution copernicienne » en décidant d’aborder le problème religieux par le sacré et non plus par le divin ; l’un des apports de Mauss fut d’y articuler la notion de symbolique. Camille Tarot (cf. ci-dessous) considère que Mircea Eliade « manque » ce tournant durkheimien en confondant sacré et divin et s’engage dans les « voies hasardeuses d’une divinisation de la violence ».

Synthèses et articles

  • Camille Tarot, Le Symbolique et le sacré. Théorie des religions, Paris, La Découverte, 2008. L’ouvrage est volumineux (900 pages) mais très structuré ; il est d’utilisation aisée et permet d’avoir une vision globale et appronfondie du sacré tel qu’il est pensé par les auteurs mentionnés dans le texte officiel du programme… Le livre a fait l’objet d’un dossier dans un numéro d’Archives de sciences sociales des religions (2009) En ligne:  https://assr.revues.org/21079 ; la table des matières de l’ouvrage : http://www.revuedumauss.com.fr/media/TAR.pdf
  • Jean-Jacques Wunenberger, Le Sacré, Paris, PUF, « Que-sais-je ? » n° 1912, 2015 (1e édition en 1981). C’est notamment un spécialiste de Mircea Eliade.
  • Denis Jeffrey, « Le sacré, entre médiations et ruptures », ESSACHESS. Journal for Communication Studies, vol. 4, n° 2(8), 2011, p. 31-46. – un court article qui fait le tour des principales théorisations du sacré. En ligne : www.essachess.com/index.php/jcs/article/download/124/125
  • Françoise Crémoux, « Du sacré aux sacralités »,  Pandora n°4, 2004, p. 9-16. Un tour d’horizon de la notion : https://dialnet.unirioja.es/descarga/articulo/2925612.pdf
  • Les travaux de Marcel Gauchet sur le « désenchantement du monde » sont régulièrement cités. Pour le croiser avec les questions artistiques : Marcel Gauchet : « L’art, substitut du sacré. Entretien avec Marcel Gauchet », Cités Musiques. La revue de la Cité de la musique, n° 55, septembre-octobre 2007. http://gauchet.blogspot.fr/2007/10/lart-substitut-du-sacr.html

 

II- Représentations artistiques du sacré

Un essai

Quelques textes d’écrivains et philosophes

  • Antonin Artaud, Le Théâtre et son double, Paris, Gallimard, « Folio », 1985 (1938).
  • Georges Bataille, « Le sacré », in Œuvres complètes, tome 1, Paris, Gallimard, (1939), p. 559-563. Il s’agit d’un article paru dans les Cahiers d’art. Cf. Claudio Tarditi, « Au seuil de la transcendance : religion, sacré et sacrifice dans la pensée de Georges Bataille », Le Philosophoire. Laboratoire de philosophie, 2004-1, n° 22, p. 97-111. En ligne : https://www.cairn.info/revue-le-philosophoire-2004-1-page-97.htm
  • Michel Leiris, L’homme sans honneur. Notes pour Le sacré dans la vie quotidienne, Paris, Jean-Michel Place, 1994 (1938). Voir aussi le catalogue de l’exposition du Centre Pompidou-Metz :
  • Marie-Laure Bernardac, Denis Hollier et Agnès de La Baumelle (dir.), Leiris & Co., Paris, Gallimard-Centre Pompidou Metz, 2015.
  • Friedrich Nietzsche, La Naissance de la tragédie, Paris, Flammarion GF, 2015 (1872).

Quelques ouvrages d’ensemble

  • Laurence Bertrand-Dorléac, L’ordre sauvage. Violence, dépense et sacré dans l’art des années 1950-1960, Paris, Gallimard, 2004. Un ouvrage de référence.
  • Georges Duby, L’art et la société. Moyen-Âge-20e siècle, Paris, Gallimard, « Quarto », 2002. Au-delà des nombreux articles et conférences de Duby (sur Soulages notamment), on retiendra la lecture sur l’art cistercien, son « temps des cathédrales » et plus largement sa réflexion sur la fonction sacrée de l’art.
  • Françoise Dunand, Jean-Michel Spieser et Jean Wirth (dir.), L’image et la production du sacré. Actes du colloque de Strasbourg 20-21 janvier 1988, Paris, Méridiens-Klinsieck. 1991. Au-delà de réflexions globales sur le statut des images, des études sur le surnaturel dans l’art du Moyen Âge (Wirth), l’iconographie des églises byzantines (Spieser), l’image de dévotion aux XIXe et XXe (Jean Pirotte), la construction de l’ « éternité » par l’art sous le IIIe Reich (Éric Michaud…).
  • Jean de Loisy (dir.), Traces du sacré, Paris, Éditions du Centre Pompidou, 2008. Catalogue d’une exposition incontournable qui prit pour objet une histoire de l’art du XXe siècle (et jusqu’à aujourd’hui) depuis la question du sacré et du spirituel dans la création artistique.
  • Ralph Dekoninck et Myriam Watthé-Delmotte (dir.) L’idole dans l’imaginaire occidental, Paris, L’Harmattan, 2005. Cf. présentation : http://www.univartois.fr/graphe/lire_relire/recensions/idole_imaginaire.pdf 
  • Richard Conte et Marion Laval-Jeantet, Du sacré dans l’art actuel, Paris, Klinksieck, 2008. Cf. le sommaire : http://www.klincksieck.com/livre/?GCOI=22520100874780&fa=sommaire

Art sacré

  • Titus Burckardt, Principes et méthodes de l’art sacré, Dervy, 2011 (1e édition française en 1958). Envisage l’art sacré de manière générique, englobant aussi bien Orient qu’en Occident.
  • Elie Barnavi (dir.), Dieu(x). Modes d’emploi, Paris, André Versaille éditeur, 2013. Il s’agit du catalogue de l’exposition éponyme qui s’est tenue au Petit Palais en 2013 et qui rassemblait plus de 150 oeuvres venues du monde entier. Cf la présentation : http://www.petitpalais.paris.fr/fr/expositions/dieux-modes-d%E2%80%99emploi. Le déroulé de l’exposition ouvre des pistes pour élaborer une progression pédagogique avec les élèves. Raphaëlle Ziadé, la commissaire, est une spécialiste de l’art byzantin et a notamment rédigé dans le catalogue l’article suivant : « Représenter le divin : métaphysique du réel ou anthropologie du sacré ? », p. 35-51.

Art sacré chrétien

On peut inviter ici à la mention du travail important d’Isabelle Saint-Martin qui est très impliquée dans une réflexion sur l’enseignement du fait religieux articulé à la question artistique. Cf. sa page personnelle : http://www.iesr.ephe.sorbonne.fr/index448.html ; parmi ses très nombreuses publications qui portent plus particulièrement sur l’art chrétien qui est sa spécialité, on mentionnera par exemple : Isabelle Saint-Martin, Art chrétien, art sacré : regards du catholicisme sur l’art, France, 19e-20e siècle, Rennes, Presses universitaires de Rennes, 2014. Cf. l’introduction : http://www.pur-editions.fr/couvertures/1400501256_doc.pdf

  • François Boespflug, Le Dieu des peintres et des sculpteurs. L’invisible incarné, Paris, Hazan-Éditions du Louvre, 2010. Cours accessible en ligne : http://www.louvre.fr/le-dieu-des-peintres-et-des-sculpteurs-par-francois-boespflug
  • Olivier Christin et Dario Gamboni (dir.), Crises de l’image religieuse de Nicée II à Vatican II, Paris, Éditions de la maison des sciences de l’homme, 1999. Propose des études qui permettent d’interroger la place de l’image au sein de l’institution catholique.
  • Alphonse Dupront, L’image de religion dans l’Occident chrétien. D’une iconologie historique, Paris, Gallimard, 2015. Il s’agit de la publication, vingt-cinq ans après, du travail spécifiquement iconologique conduit par celui dont l’œuvre sur le « mythe de croisade fut initiée par un ouvrage majeur intitulé… Du sacré !
  • Jean-Pierre Greff, « Art sacré en Europe 1919-1939 », Un art sans frontières, Paris, Publications de la Sorbonne, 1995. Publication en ligne :  https://books.openedition.org/psorbonne/450?lang=fr
  • Michel Kaplan (dir.), Le sacré et son inscription dans l’espace à Byzance et en Occident, Paris, Publications de la Sorbonne, 2001. Il s’agit du recueil d’articles très spécialisés abordant des enjeux aussi divers que les églises, les cimetières, la littérature.
  • Jean-Michel Leniaud, La révolution des signes. L’art à l’église (1830-1930), « Histoire religieuse de la France », Paris, Éditions du Cerf, 2007.
  • Pierre-Louis Rinuy, « Le renouveau de l’art sacré dans les années 1945-1960 et la « querelle de l’art sacré » », En ligne : http://eduscol.education.fr/cid46365/le-renouveau-de-l-art-sacre-dans-les-annees-1945-1960-et-la-querelle-de-l-art-sacre.html
  • « Les espaces du sacré de la Renaissance à la Révolution », Art sacré – Cahiers de rencontre avec le patrimoine religieux, volume 30, 3e trimestre, 2013. De nombreuses études qui abordent aussi bien le mobilier que la liturgie, l’architecture que le décor.
  • George Didi-Huberman, L’image ouverte. Motifs de l’incarnation dans les arts visuels, Paris, Gallimard, « Le temps des images », 2007. On trouvera quelques pages profondes sur les « puissances de la figure » dans l’art chrétien. Ici un compte-rendu par Nadeije Laneyrie-Dagen de l’ouvrage  : http://www.recensio.net/rezensionen/zeitschriften/annales/2008/6/ReviewMonograph927959977/@@generate-pdf-recension?language=de

Autour de l’islam

  • Silvia Naef, Y a-t-il une « question de l’image » en islam ?, Paris, Téraèdre, 2004. Un ouvrage par une spécialiste de l’art arabe.
  • Oleg Grabar, « La mosquée le sanctuaire. Sainteté des lieux en islam », https://rhr.revues.org/4225. Une étude de cas sur le lien entre architecture et sacré depuis l’exemple des mosquées par, l’un des grands spécialistes de l’art islamique au XXe siècle notamment avec son ouvrage Penser l’art islamique. Une esthétique de l’ornement.

Sur les icônes

  • Alain Besançon, L’image interdite. Une histoire intellectuelle de l’iconoclasme, Paris, Gallimard, « Folio », 2000 (1994). Un ouvrage érudit, qui brosse large, pédagogique mais dont les implicites politiques sont nombreux.
  • Gilbert Dagron, Décrire et peindre. Essai sur le portrait iconique, Paris, Gallimard, 2007. La référence en la matière.

Photographie et sacré

  • Maria Giulia Dondero, Le sacré dans l’image photographique. Études sémiotiques, Paris, Hermès-Lavoisier, coll. Forme et sens, 2009. Depuis le travail de Roland Barthes, étudie un certain nombre de cas liés à la photographie contemporaine et pense la photographie au regard de la peinture. Un compte-rendu : https://questionsdecommunication.revues.org/220

Cinéma et sacré

  • Henri Agel, Le cinéma et le sacré, 1951,  a été l’un des premiers – c’était un catholique militant – à appréhender la production cinématographique du premier XXe siècle sous cet angle. Il a ouvert une voie qui n’a jamais cessé depuis comme en témoignent les actes du colloque qui s’est tenu à Téhéran (avec Abbas Kiarostami notamment) :
  • Agnès Devictor et Kristian Feigelson (dir.), « Croyances et sacré au cinéma », Ciném’action, n° 134, 2010. Le sommaire s’organise autour d’études consacrées à chaque fois à un cinéaste, ce qui permet de se faire une petite sélection (Tarkovski, Bresson, Paradjanov, Dreyer, Rosselini, Visconti…). On pourrait y ajouter Kieslowski.

Écrire le sacré

  • Nella Arambasin, La conception du sacré dans la critique d’art en Europe entre 1880 et 1914, Genève, Droz, 1996. Une thèse de littérature.

Architecture et sacré

  • Dominique Iogna-Prat et Gilles Veinstein (dir.), « Lieux saints, lieux de culte dans le judaïsme, le christianisme et l’islam », Revue d’histoire des religions,  n° 4, 2005. Consultable en ligne : https://rhr.revues.org/4210
  • Roland Recht, Le Croire et le voir. L’art des cathédrales (XIIe-XVe siècles), Paris, Gallimard, 1999. Un ouvrage incontournable.
  • « Le patrimoine religieux des XIXe et XXe siècles », In Situ. Revue des patrimoines, n° 11 et n° 12, 2009. Accessible en ligne : http://insitu.revues.org/4188 – avec un article sur Notre-Dame de Raincy par exemple – et http://insitu.revues.org/4657 – avec un article sur une réalisation de Maurice Denis dans les Yvelines par exemple.

Peinture et sacré

  • Daniel Arasse, L’annonciation italienne. Une histoire de perspective, Paris, Hazan, 2010 (1999). Il y a là un motif passionnant à envisager pour les questions qu’il a posées aux peintres.
  • Éric de Chassey et Annick Lemoine (dir.), « L’Annonciation. Hommage à Daniel Arasse », Studiolo, n° 10, 2014. Dossier coordonné par Georges-Didi-Huberman.
  • Frédéric Cousinié, Le peintre chrétien. Théories de l’image religieuse au XVIIe siècle, Paris, L’Harmattan, 2000.
  • Jean-Jacques Nillès (dir.), L’art moderne et la question du sacré, Paris, Éditions du Cerf, 1993.
  • Régis Ladous, « Marc Chagall et les Maritain. Une définition de l’art religieux », Revue des sciences religieuses, 84/4,  2010.  http://rsr.revues.org/311

Musique et sacré

  • Luigi Garbini, Nouvelle histoire de la musique sacrée. Du chant synagogal à Stockhausen, Paris, Bayard, 2009. Une synthèse.
  • Edmond Lemaître, François-René Tranchefort (dir.), Guide de la musique sacrée et chorale profane. Tome 1. L’âge baroque 1600-1750. Tome 2. De 1750 à nos jours, Paris, Fayard, 1992-1993. Un outil qui permet d’avoir des notices détaillées sur des œuvres sacrées. Il existe respectivement pour la musique médiévale et la musique de la Renaissance, deux guides équivalents.
  • Musique et sacré. Actes du colloque du 17-18 septembre 2004 au Centre culturel de rencontre d’Ambronay, Éditions d’Ambronay, 2005. On y retrouve un article de Raymond Court mais aussi une étude sur la musique dans l’islam et surtout la réflexion conduite par Michel Poizat qui a notamment théorisé, depuis les travaux d’Elias Canetti, la notion d’hymne. Cf. également un article de Sophie Wahnich sur le statut sacré de la musique pendant la Révolution française.
  • Musique, sacré et profane, Paris, Cité de la musique, 2007  cf sommaire : http://librairie.citedelamusique.fr/collection-thematique/958-musique–sacre-et-profane

Transition :

Écouter et regarder le Sacre du Printemps (chorégraphie de Nijinsky reconstituée) : 

 

III- L’art, partie prenante du rite

Une remarque : théâtre, danse et musique ont ici toute leur place. Un certain nombre d’éléments liés aux pratiques religieuses peuvent s’y articuler (cf. les références sur architecture et sacré, musique et sacré). Les références qui suivent essaient d’ouvrir aussi du côté des liens entre ethnographie, anthropologie et art, jusqu’aux pratiques de l’art contemporain.

Un colloque organisé en 1990 permet d’entrer dans un certain nombre d’enjeux :

Julien Ries (dir.), Expérience religieuse et expérience esthétique, Louvain-la-Neuve, Centre d’histoire d’histoire des religions, 1993. Par la diversité des thèmes abordés, les aires géographiques et périodes historiques variées – le sous-titre du colloque était « rituel, art et sacré » – l’ouvrage propose un grand nombre de pistes d’études. Julien Ries a fini sa carrière comme cardinal… et il a passé sa vie à théoriser la figure de l’homo religiosus. Cf. le compte-rendu d’un de ses ouvrages : https://assr.revues.org/24705

Liturgie chrétienne

  • Ralph Dekoninck et François Trémolières, « Beauté du rite. Liturgie et esthétique dans le christianisme. XVIe-XXIe siècle » https://rhr.revues.org/7550, Revue d’histoire des religions, n° 1, 2010.
  • On trouvera une étude pointue mais originale dans le travail suivant : Catherine Vanderheyde, « La danse dans l’art byzantin : quand le mouvement exprime un rituel. Réflexions à partir d’exemples choisis », Ktema, 32 (2007), p. 157-167. Elle y montre comment la danse se met alors au service de la gloire de l’empereur. Il s’agit aussi d’une spécialiste de la sculpture byzantine.

L’art comme rite

Un colloque de référence au musée du Quai Branly en 2006 après l’ouverture du musée : « Histoire de l’art et anthropologie » : http://actesbranly.revues.org/60 – une partie s’intitule « du religieux et du rite à l’œuvre » et de nombreux articles questionnent les articulations entre approche « esthétique » et approche « anthropologique », notamment celui de Maureen Murphy retrace le parcours d’une statue du dieu Gou datant du XIXe siècle jusqu’à son exposition en France comme objet ethnographique puis oeuvre d’art (http://actesbranly.revues.org/213)  ; on peut y ajouter le colloque plus récent « Performance, art et anthropologie » : http://actesbranly.revues.org/109

La musique comme rite

  • Marc Honegger, Frédéric Meyer, Paul Prévost (éd.), La musique et le rite sacré et profane, Strasbourg, Presses universitaires de Strasbourg, 1986 (2 volumes). Il s’agit des actes du colloque de la Société internationale de musicologie de 1982. Cela permet d’appréhender des pistes d’étude du côté de l’ethnomusicologie… qui peut être explorée par la lecture des Cahiers d’ethnomusicologie, très vaste domaine de recherches.
  • Une réflexion spécifique sur une forme contemporaine : Renaud Tarlet, « Le rituel du concert et la question du sacré », Appareil, n° 3, 2009. https://appareil.revues.org/841 – le texte s’inscrit dans la filiation des travaux de René Girard.

 

Transition : On pourra se souvenir des débats qui avaient entouré l’exposition au Centre Pompidou « Magiciens de la terre ». Le conservateur Jean-Hubert Martin, qui en avait été à l’origine vient justement de « récidiver » avec « Carambolages » qui a lieu jusqu’en juillet au Grand Palais à Paris. La « fortune »de cette exposition a donné lieu, au-delà des réflexions sur la mondialisation, à des débats liés à la question de la contextualisation des objets/oeuvres. Cf. une analyse de l’exposition par Maureen Murphy,  « Des Magiciens de la terre, à la globalisation du monde de l’art : retour sur une exposition historique », Critique d’art, Printemps-été 2013. https://critiquedart.revues.org/8307; à la suite d’un colloque organisé pour les 25 ans a paru un ouvrage sous la direction de Jean-Hubert Martin et Annie-Cohen Solal, Magiciens de la terre. Retour sur une exposition légendaire, Paris, Editions Xavier Barral, 2014.

 

IV- La sacralisation de l’art

Remarque : bien des questions soulevées par l’objet rituel se croisent avec la réflexion sur son exposition et font qu’il est souvent indissociable d’envisager les questions muséologiques des questions esthétiques. A ce titre, on mentionnera la tenue du séminaire de l’Ecole du Louvre à l’Université de Neuchâtel car il avait pour thème « le sacré à l’épreuve de l’exposition ». Cf. le programme, qui comprend notamment des indications bibliographiques : https://www2.unine.ch/files/content/sites/mamuseo/files/Page%20accueil/UNINE_PROGRAMME_EDL%202013.pdf

Œuvres d’art

Patrimoine et musées

  • Les nombreux travaux de Dominique Poulot sont des références. Il est un spécialiste en particulier de la naissance des institutions muséales au moment de la Révolution française. Voir notamment son manuel : Dominique Poulot, Patrimoine et musées. L’institution de la culture, Paris, Hachette supérieure, « collection Carré », 2001.
  • Michel Melot, Mirabilia : essai sur l’Inventaire général du patrimoine culturel, Paris : Gallimard (Bibliothèque des idées), 2012. La dernière partie est consacrée au processus de sacralisation. Pour un aperçu de la démonstration : http://www.iesr.ephe.sorbonne.fr/index6765.html
  • Roland Recht, Penser le patrimoine. Mise en scène et mise en ordre de l’art, Paris, Hazan, 2008 (1e édition en 1999).
  • François Mairesse, Le culte des musées, Bruxelles, Académie royale de Belgique, 2014.
  • Le cas du musée Branly paraît incontournable. On trouvera des pistes dans un numéro du Débat qui consacra un numéro peu après son ouverture : « Le moment du Quai Branly », Le Débat, novembre-décembre 2007, n° 147. Voir notamment l’article de Hervé Juvin, « L’art, le musée, le sacré ». Le sommaire complet : http://www.gallimard.fr/Catalogue/GALLIMARD/Revue-Le-Debat/Le-Debat
  • Brigitte Derlon et Monique Jeudy-Ballini, « Le culte muséal de l’objet sacré », Gradhiva, n° 30-31, 2002, p. 203-211.
  • Nathalie Heinich et Roberta Shapiro (dir.), De l’artification. Enquêtes sur les passages à l’art, Paris, Éditions de l’École des hautes études en sciences sociales, coll. « Cas de figure », 2012.

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Manicule  Pour télécharger cette bibliographie au format pdf  :  Bibliographie art et sacré 5

Carambolages | RMN – Grand Palais Affinités insolites

Carambolage (n.m) : terme du jeu de billard. Coup dans lequel la bille du joueur va toucher deux autres billes. fig. : coup double, ricochet.

185 œuvres d’art, issues d’époques, de styles et de pays différents, sont présentées dans un parcours conçu comme Continuer la lecture de Carambolages | RMN – Grand Palais Affinités insolites

PÉDAGOGIE : ABORDER L’HISTOIRE DES ARTS PAR LA PRATIQUE. EPISODE 2

Fanny Gayon, lycée Léon Blum de Créteil

cène
Dernière Cène, 2014 (initiative en fin d’année de quelques élèves de Terminale L, promotion 2013-2014), photo-montage numérique par Susan Perrotin.

Une mise en pratique théâtrale : des tableaux vivants pour sensibiliser à la composition d’une œuvre.

Une peinture, une photographie, une sculpture sont des compositions. Certains élèves quitteront l’option « Patrimoine » à l’issue de l’année de seconde sans avoir compris cette phrase répétée à longueur d’année, encore plus démunis devant l’annotation dans la marge qui leur reproche de ne pas avoir analysé la composition… Et pourtant, ils avaient essayé de le décrire ce tableau, plan par plan comme ils pensent toujours devoir faire, remarquant le petit chien qui joue dans un coin, la colline en arrière plan… mais une analyse de la composition, il n’y en a pas eu le début du commencement. L’une des raisons en est que l’ image, lorsqu’elle représente le réel, s’impose au regard avec son évidence. Elle est telle qu’elle devait être de toute éternité. L’idée qu’elle soit le résultat de choix de la part de l’artiste, d’une mise en scène et d’une mise en espace exige un surplomb, une distanciation qui ne va pas de soi. Envisager un choix signifie envisager des possibles, tandis que l’image propose une décision arrêtée.

Bien sûr, pour montrer qu’une œuvre est le résultat d’une réflexion, de tentatives et d’expérimentations, on peut avoir recours à la comparaison de l’œuvre finie et des études préalables (par exemple les passionnantes études du Radeau de la Méduse de Géricault nous mettent en prise avec les tâtonnements de l’artiste), ou montrer comment un même thème a pu être traité de manières différentes par divers artistes. La comparaison est certainement pour cela une démarche pédagogique éclairante et très efficace.

Le choix du thème, cette année-là s’était porté – grâce à Daniel Arasse1 – sur les Annonciations renaissantes. Deux personnages, un décor, et des variations à l’infini. La classe ne pouvait que convenir de l’effectuation de choix (de décors, de costumes, de situation dans l’espace, de cadre, etc.) mais les rendre signifiants constituait alors une autre difficulté.

Ce sont des vidéos de Bill Viola qui ont inspiré l’idée d’une mise en pratique (ou plutôt une mise en action) qui pouvait donner du sens à ces Annonciations.

Sur le modèle de La Visitation réalisée en 1995 d’après le tableau de Pontormo, les élèves, par groupe de deux, après avoir minutieusement observé la peinture qu’ils avaient choisie, devaient lentement s’approcher l’un de l’autre, prendre la pose et la tenir, le temps de quelques photographies. Chaque tableau vivant était suivi d’une discussion qui visait à expliciter ce que la posture traduisait comme sentiments. Qu’avaient perçu les spectateurs ? Qu’avaient ressenti les acteurs ? Il est apparu que la gestuelle des personnages – mais aussi la distance qui les sépare – est chargée de sens. Gabriel peut être humble, ou plus autoritaire, persuasif, Marie effarouchée, bouleversée, soumise, etc.

On peut alors introduire des éléments plus narratifs : les peintures ne représentent pas exactement le même moment du récit de l’Annonciation. On distingue l’arrivée de Gabriel dans la chambre de la Vierge, l’annonce proprement dite, l’acceptation de Marie.

La place du photographe était également à déterminer : quelle distance, quel point de vue, quel cadrage ? La complexité de certains dispositifs, la difficulté à tenir certaines poses, a donné à réfléchir à l’artificialité de la composition et à la complexité du discours pictural. Ce moment de l’annonciation, moment théologiquement décisif de l’incarnation de Dieu en Marie devient le théâtre de sentiments, où le plus humain joint le plus sacré. Et comme se mettre en scène en classe est toujours un moment d’embarras et de fou-rires, certaines photographies serviront ensuite à aborder les notions de pastiches et parodies…

La récente actualité cinématographique vient de donner une autre ampleur à l’idée du tableau vivant et pointer, sans qu’il soit besoin de longs discours, un certain nombre de problèmes soulevés par la question de la représentation. Andy Guérif a consacré sept années de travail à recréer le verso de la Maestà de Duccio di Buoninsegna, peinte entre 1308 et 1311 et conservée à Sienne. Ce film d’une heure (Manicule voir un extrait) est – mise à part l’ouverture – un plan fixe dont le cadre correspond aux limites de la partie centrale du retable (sans la prédelle et sans le couronnement). Ainsi, chacun des vingt-six panneaux s’anime, retraçant le récit de la passion du Christ de l’entrée à Jérusalem au chemin d’Emmaüs. Le split-screen  renoue par-dessus les siècles avec le récit en images du Moyen Âge.

Au départ, chaque case est vide. Les personnages entrent, accomplissent l’action ; l’image se fige un instant lorsqu’ils se retrouvent dans la configuration exacte de la peinture de Duccio, puis ils se remettent en mouvement avant de sortir de l’espace du panneau. Le principe est simple et pourtant, il y a dans l’enchaînement des actions d’une case à l’autre, la juxtaposition d’actions simultanées, une fluidité, une cohérence qui manifestent une incroyable minutie. Premier constat : le mouvement produit du burlesque. La « majesté » du polytptyque du XIVe siècle, le pathos de l’humiliation et des souffrances du Christ sont plus qu’entamées par les conversations banales que l’on devine dans le brouhaha, les gestes prosaïques des hommes de main qui crucifient ou qui construisent un tombeau.

Guérif 1
Andy Guérif, Maesta, la passion du Christ, 2015, Capricci Productions, 60 min.

    Mais ce qui soudain saute aux yeux – avec un effet comique certain –, c’est que les espaces créés par Duccio (et reproduits par Guérif) sont tout bonnement impraticables.

Andy Guérif, Maesta, 2015
Andy Guérif, Maestà, la passion du Christ, 2015, Capricci Productions, 60 min.

La perspective hésitante, vaguement cavalière, bascule meubles et objets vers l’avant, les architectures sont basses, étriquées, si bien que les personnages se serrent, se suivent en file indienne, se trouvant même, dans le palais de Pilate, dans la nécessité de déplacer une colonne pour se mouvoir. L’illusion réaliste, l’évidence de l’image, est ainsi brisée. Ce que le cinéaste divulgue est que l’image est construction.

Andy Guérif, Maesta, 2015, photographie prise durant le tournage
Andy Guérif, Maestà,la passion du Christ, 2015, photographie prise durant le tournage

À rebours, le film nous amène à réfléchir à la force esthétique et l’efficacité pathétique du retable de Duccio : la puissance suggestive de l’image arrêtée, la puissance expressive d’une composition, la puissance hypnotique d’une harmonie de couleurs. À ce titre, la Maestà d’Andy Guérif apparaît possiblement comme un formidable outil pédagogique… Hélas, il faut pour cela disposer des conditions de visibilité adéquates : le dispositif est intrinsèquement cinématographique et nécessite un grand écran pour pouvoir observer chacune de ces 26 scènes.

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1- Daniel Arasse, L’Annonciation italienne. Une histoire de perspective, Paris, Hazan, 1999.

ManiculePour compléter cette lecture, vous pouvez consulter l’article Aborder l’Histoire des Arts par la pratique (Episode 1)

Morimura_meninesYasumasa Morimura, Las Meninas renacen de noche IV, 2013, impression chromogénique, 148x167cm.

Rétrospective J. Bosch à Bois-le-Duc et à Madrid

Du 13 février au 8 mai 2016, Noordbrabants Museum Verwersstraat 41, Bois-Le-Duc, Pays-Bas, et du 31 mai au 11 septembre 2016, Musée du Prado, Madrid, Espagne.

BOSCH, VISIONS DU GENIE

L’exposition « Jérôme Bosch (1450-1516) »  à Rotterdam avait éclairé le travail de l’artiste en montrant ses influences et en effectuant de nouveaux recoupements entre les peintures qui lui étaient attribuées. Continuer la lecture de Rétrospective J. Bosch à Bois-le-Duc et à Madrid

Collectif de Professeurs d'Histoire Des Arts