PÉDAGOGIE : ABORDER L’HISTOIRE DES ARTS PAR LA PRATIQUE. EPISODE 2

Fanny Gayon, lycée Léon Blum de Créteil

cène
Dernière Cène, 2014 (initiative en fin d’année de quelques élèves de Terminale L, promotion 2013-2014), photo-montage numérique par Susan Perrotin.

Une mise en pratique théâtrale : des tableaux vivants pour sensibiliser à la composition d’une œuvre.

Une peinture, une photographie, une sculpture sont des compositions. Certains élèves quitteront l’option « Patrimoine » à l’issue de l’année de seconde sans avoir compris cette phrase répétée à longueur d’année, encore plus démunis devant l’annotation dans la marge qui leur reproche de ne pas avoir analysé la composition… Et pourtant, ils avaient essayé de le décrire ce tableau, plan par plan comme ils pensent toujours devoir faire, remarquant le petit chien qui joue dans un coin, la colline en arrière plan… mais une analyse de la composition, il n’y en a pas eu le début du commencement. L’une des raisons en est que l’ image, lorsqu’elle représente le réel, s’impose au regard avec son évidence. Elle est telle qu’elle devait être de toute éternité. L’idée qu’elle soit le résultat de choix de la part de l’artiste, d’une mise en scène et d’une mise en espace exige un surplomb, une distanciation qui ne va pas de soi. Envisager un choix signifie envisager des possibles, tandis que l’image propose une décision arrêtée.

Bien sûr, pour montrer qu’une œuvre est le résultat d’une réflexion, de tentatives et d’expérimentations, on peut avoir recours à la comparaison de l’œuvre finie et des études préalables (par exemple les passionnantes études du Radeau de la Méduse de Géricault nous mettent en prise avec les tâtonnements de l’artiste), ou montrer comment un même thème a pu être traité de manières différentes par divers artistes. La comparaison est certainement pour cela une démarche pédagogique éclairante et très efficace.

Le choix du thème, cette année-là s’était porté – grâce à Daniel Arasse1 – sur les Annonciations renaissantes. Deux personnages, un décor, et des variations à l’infini. La classe ne pouvait que convenir de l’effectuation de choix (de décors, de costumes, de situation dans l’espace, de cadre, etc.) mais les rendre signifiants constituait alors une autre difficulté.

Ce sont des vidéos de Bill Viola qui ont inspiré l’idée d’une mise en pratique (ou plutôt une mise en action) qui pouvait donner du sens à ces Annonciations.

Sur le modèle de La Visitation réalisée en 1995 d’après le tableau de Pontormo, les élèves, par groupe de deux, après avoir minutieusement observé la peinture qu’ils avaient choisie, devaient lentement s’approcher l’un de l’autre, prendre la pose et la tenir, le temps de quelques photographies. Chaque tableau vivant était suivi d’une discussion qui visait à expliciter ce que la posture traduisait comme sentiments. Qu’avaient perçu les spectateurs ? Qu’avaient ressenti les acteurs ? Il est apparu que la gestuelle des personnages – mais aussi la distance qui les sépare – est chargée de sens. Gabriel peut être humble, ou plus autoritaire, persuasif, Marie effarouchée, bouleversée, soumise, etc.

On peut alors introduire des éléments plus narratifs : les peintures ne représentent pas exactement le même moment du récit de l’Annonciation. On distingue l’arrivée de Gabriel dans la chambre de la Vierge, l’annonce proprement dite, l’acceptation de Marie.

La place du photographe était également à déterminer : quelle distance, quel point de vue, quel cadrage ? La complexité de certains dispositifs, la difficulté à tenir certaines poses, a donné à réfléchir à l’artificialité de la composition et à la complexité du discours pictural. Ce moment de l’annonciation, moment théologiquement décisif de l’incarnation de Dieu en Marie devient le théâtre de sentiments, où le plus humain joint le plus sacré. Et comme se mettre en scène en classe est toujours un moment d’embarras et de fou-rires, certaines photographies serviront ensuite à aborder les notions de pastiches et parodies…

La récente actualité cinématographique vient de donner une autre ampleur à l’idée du tableau vivant et pointer, sans qu’il soit besoin de longs discours, un certain nombre de problèmes soulevés par la question de la représentation. Andy Guérif a consacré sept années de travail à recréer le verso de la Maestà de Duccio di Buoninsegna, peinte entre 1308 et 1311 et conservée à Sienne. Ce film d’une heure (Manicule voir un extrait) est – mise à part l’ouverture – un plan fixe dont le cadre correspond aux limites de la partie centrale du retable (sans la prédelle et sans le couronnement). Ainsi, chacun des vingt-six panneaux s’anime, retraçant le récit de la passion du Christ de l’entrée à Jérusalem au chemin d’Emmaüs. Le split-screen  renoue par-dessus les siècles avec le récit en images du Moyen Âge.

Au départ, chaque case est vide. Les personnages entrent, accomplissent l’action ; l’image se fige un instant lorsqu’ils se retrouvent dans la configuration exacte de la peinture de Duccio, puis ils se remettent en mouvement avant de sortir de l’espace du panneau. Le principe est simple et pourtant, il y a dans l’enchaînement des actions d’une case à l’autre, la juxtaposition d’actions simultanées, une fluidité, une cohérence qui manifestent une incroyable minutie. Premier constat : le mouvement produit du burlesque. La « majesté » du polytptyque du XIVe siècle, le pathos de l’humiliation et des souffrances du Christ sont plus qu’entamées par les conversations banales que l’on devine dans le brouhaha, les gestes prosaïques des hommes de main qui crucifient ou qui construisent un tombeau.

Guérif 1
Andy Guérif, Maesta, la passion du Christ, 2015, Capricci Productions, 60 min.

    Mais ce qui soudain saute aux yeux – avec un effet comique certain –, c’est que les espaces créés par Duccio (et reproduits par Guérif) sont tout bonnement impraticables.

Andy Guérif, Maesta, 2015
Andy Guérif, Maestà, la passion du Christ, 2015, Capricci Productions, 60 min.

La perspective hésitante, vaguement cavalière, bascule meubles et objets vers l’avant, les architectures sont basses, étriquées, si bien que les personnages se serrent, se suivent en file indienne, se trouvant même, dans le palais de Pilate, dans la nécessité de déplacer une colonne pour se mouvoir. L’illusion réaliste, l’évidence de l’image, est ainsi brisée. Ce que le cinéaste divulgue est que l’image est construction.

Andy Guérif, Maesta, 2015, photographie prise durant le tournage
Andy Guérif, Maestà,la passion du Christ, 2015, photographie prise durant le tournage

À rebours, le film nous amène à réfléchir à la force esthétique et l’efficacité pathétique du retable de Duccio : la puissance suggestive de l’image arrêtée, la puissance expressive d’une composition, la puissance hypnotique d’une harmonie de couleurs. À ce titre, la Maestà d’Andy Guérif apparaît possiblement comme un formidable outil pédagogique… Hélas, il faut pour cela disposer des conditions de visibilité adéquates : le dispositif est intrinsèquement cinématographique et nécessite un grand écran pour pouvoir observer chacune de ces 26 scènes.

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1- Daniel Arasse, L’Annonciation italienne. Une histoire de perspective, Paris, Hazan, 1999.

ManiculePour compléter cette lecture, vous pouvez consulter l’article Aborder l’Histoire des Arts par la pratique (Episode 1)

Morimura_meninesYasumasa Morimura, Las Meninas renacen de noche IV, 2013, impression chromogénique, 148x167cm.


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