Tous les articles par paragone

Dialogues entre l’extrême-orient et L’occident (Partie 1)

Suzanne Deslondes

 

La circulation des œuvres et les échanges artistiques.
Le traîneau dit « aux jeux chinois », conservé au château de Versailles, est un objet insolite qui dit à lui seul la fascination exercée par l’Extrême-Orient sur les artistes occidentaux pendant des siècles. De cette rencontre entre Europe et Asie sont nées des créations hybrides ou novatrices. Ce parcours est l’occasion de s’interroger sur les modalités de la circulation des œuvres et des techniques venant d’Asie, mais aussi sur les représentations européennes des arts asiatiques.

  la deuxième partie

• Comment les productions extrême-orientales ont-elles été portées à la connaissance des artistes occidentaux ?

• Comment les arts de la Chine et du Japon, et plus généralement leur civilisation, ont-ils alimenté l’imaginaire et les pratiques des artistes occidentaux ?

• Comment la fascination pour les civilisations extrême-orientales se traduit-elle dans les arts occidentaux, donnant naissance à des créations hybrides ou à des œuvres fondamentalement novatrices ?

Séance 1.  Le traîneau « aux jeux chinois » : un objet d’art français, des influences lointaines.

Cet objet de prestige, exotique et raffiné, est représentatif de l’art de cour au XVIIIe siècle. Il peut être considéré comme le produit d’un art hybride : moyen de locomotion des pays du nord enneigés, sa fonction lui donne sa forme. Ses ornements sculptés en rocaille renvoient à l’art rococo français, tandis que les panneaux de bois peints manifestent la vogue des “chinoiseries” en Europe.

Observer et décrire l’objet nécessite de manipuler un vocabulaire spécifique souvent nouveau : celui de la sculpture sur bois, de la dorure, des textiles… Les panneaux peints invitent à s’interroger sur la représentation fantasmée de la Chine.

Continuer la lecture de Dialogues entre l’extrême-orient et L’occident (Partie 1)

Audience du Collectif Paragone par l’Inspection gÉNÉRALE

À la suite des deux courriers envoyés dans le courant du mois de mai à l’Inspection générale pour, d’une part, l’alerter de la situation de cet enseignement dans un certain nombre d’établissements, puis, d’autre part, dénoncer le choix du renouvellement de deux questions limitatives à compter de la rentrée prochaine, le collectif Paragone, représenté par Sylvia Avrand, Laura Bernard et Vincent Casanova, a été reçu en audience le vendredi 12 juin 2020. Nous retranscrivons ci-dessous la nature des demandes qui ont été formulées et les réponses qui y ont été données par les deux inspecteurs généraux en charge de l’histoire des arts, Philippe Galais et Fabien Oppermann.


  1. La situation de l’histoire des arts en lycée 

Nous avons tout d’abord souligné l’inquiétude d’un certain nombre d’équipes d’histoire des arts au regard des effets de la réforme du lycée et de la fermeture des établissements en raison de la crise sanitaire. Les décisions de certaines directions fragilisent aussi parfois le travail engagé pour le maintien de l’histoire des arts. Les options facultatives sont ainsi tout particulièrement menacées. Des divergences de pratiques ont été pointées quant à la possibilité pour les élèves de choisir notamment l’option facultative en Terminale sans l’avoir suivie en classe de Première1. De même, l’absence ou le fermeture de l’option facultative en classe de Seconde ne permet pas de constituer un « vivier » d’élèves pour le choix de la spécialité en classe de Première, mettant à terme en difficulté l’histoire des arts ; elle apparaît donc indispensable. Des regroupements de niveaux ou même entre spécialistes/facultatifs ont été parfois imposés dans certains établissements ce qui ne permet pas du tout d’envisager convenablement la mise en œuvre des programmes et la préparation des examens.

Plus largement, il a été rappelé combien les équipes avaient besoin du soutien de l’institution pour défendre la spécificité de fonctionnement de l’histoire des arts. Or trop souvent les équipes se retrouvent à devoir justifier ce qui devrait aller de soi, à savoir que la nécessité de se confronter directement aux œuvres impose des sorties et des projets avec des lieux d’art et de culture2. Cela devrait être pris en compte, au même titre que l’accès aux installations d’EPS ou les demi-groupes en laboratoires, dans les constitutions d’emploi du temps. La réforme du lycée ayant produit l’éclatement des groupes-classes – ce que nous ne contestons pas – il est essentiel de prendre pleinement en considération les caractéristiques spécifiques de l’histoire des arts, à égalité avec les autres disciplines.

Enfin, il a été exigé que les équipes ne travaillent plus sous la menace d’ « effectifs planchers ». Depuis l’existence de cet enseignement, les années se suivent et ne se ressemblent pas : en fixant un chiffre fixe trop élevé, on n’en permet pas la pérennisation. Et c’est encore plus vrai pour l’année qui vient de s’écouler où il n’a pas été possible, compte tenu de la situation sanitaire, d’assurer directement de manière satisfaisante la promotion de l’histoire des arts auprès des élèves – collégiens et élèves de Seconde.

  1. Repenser la formation et la publication des ressources

         Le renouvellement régulier des questions aux programmes implique un accompagnement efficace des équipes. Les outils de formation sont proposés souvent très tardivement et s’avèrent parfois d’une piètre qualité. Il a été fait part d’un profond étonnement quant à la non-publication de ressources pour le programme de spécialité de la classe de Première alors qu’ils ont été finalisés par une équipe d’enseignants – dont la plupart participent au Collectif Paragone – en juillet 2019. Le décalage systématique entre la publication du programme, sa mise en œuvre et la mise à disposition de ressources pédagogiques par Canopé ou la Dgesco alourdit considérablement le travail des enseignants qui n’ont pas forcément accès facilement à des bibliothèques – et encore moins en ce moment – et parfois alors même qu’il n’existe souvent aucun ouvrage synthétique permettant de construire de manière raisonnable les séquences. Cela complique considérablement la tâche des enseignants d’histoire des arts qui doivent aussi – et c’est sa richesse – se concerter en équipe, ce qui demande du temps. Enfin il a été mis l’accent sur l’Université de Printemps lors du Festival d’histoire de l’art de Fontainebleau qui jusqu’à présent n’est pas ouverte aux enseignants d’une part et dont les contenus ne sont pas d’autre part systématiquement restitués dans les académies. En la matière, il serait possible de mieux faire en envisageant notamment de repenser le calendrier et en imaginant une offre beaucoup plus adéquate au regard des sujets abordés.

  1. Le renouvellement des questions limitatives en enseignement de spécialité en classe de Terminale

     Il a été fait part de l’immense stupéfaction des équipes face au retrait de la question « Arts, villes, politiques et sociétés » consacrée aux « Années 1950 » alors même qu’elle n’avait été inscrite au programme qu’en septembre 2019 et qu’elle n’a pas pu être éprouvée pleinement cette année. Rien ne laissait présager une telle décision et,  une nouvelle fois, nous avons manifesté notre interrogation sur les circuits décisionnels qui aboutissent aux choix des questions limitatives. Les protocoles apparaissent pour le moins opaques et les enseignants en responsabilité devant les élèves sont les premiers à pâtir – et les élèves a fortiori par la suite – de ces changements de dernière minute.

         Plus largement, compte tenu du calendrier de l’année de Terminale, il paraît comme parfaitement déraisonnable de préparer pour le mois de mars deux épreuves différentes (écrit/oral) portant sur l’ensemble des questions limitatives.

         Cela nous a conduit à formuler les cinq requêtes suivantes :

  1. Que l’Inspection générale rédige un courrier à destination des chefs d’établissement, afin de rappeler les caractéristiques et spécificités de l’histoire des arts dans le but de soutenir les équipes auprès de leurs directions ;
  2. Que l’Inspection générale fasse en sorte que soient publiées dans les meilleurs délais les ressources de l’enseignement de spécialité pour la classe de Première et que soient mises à disposition dans des temps raisonnables des ressources pour les nouvelles questions en option facultative et enseignement de spécialité ;
  3. Que l’Inspection générale fasse évoluer les procédures et protocoles pour le choix des nouvelles questions limitatives afin d’y associer plus directement et largement des enseignants en responsabilité en classe ;
  4. Que l’Inspection générale œuvre à la suspension de la nouvelle question du thème « Arts, villes, politique et société » consacrée au “voyage des artistes en Italie XVIIe-XIXe siècles” ;
  5. Que l’Inspection générale travaille à la rédaction d’une note de service qui procède à des aménagements sur le déroulement des épreuves du baccalauréat.

Messieurs Galais et Oppermann ont apporté un certain nombre de réponses et ont pris quelques engagements que nous récapitulons ci-dessous.

  1. Si la fragilité de la situation a été admise, ils ont fait part d’un certain optimisme. Ils ont reconnu qu’ils s’attendaient à ce que l’histoire des arts pâtisse plus de la réforme, or les chiffres qu’ils sont en train de récolter leur indiquent une stabilité des effectifs – pour les spécialités. Ils se sont engagés à nous les communiquer une fois une fois qu’ils auront été consolidés. Ils ont également accepté l’idée de réfléchir à la rédaction d’une lettre, tout en rappelant que les IA-IPR restaient les interlocuteurs privilégiés des chefs d’établissements. Par ailleurs, ils se sont engagés à revenir vers nous pour mettre au clair les conditions de suivi de l’option facultative en classe de Terminale – la question de la prise en compte de l’évaluation semble se poser si l’enseignement n’a pas été suivi sur l’ensemble du cycle terminal… ce qui est différent de pouvoir suivre l’enseignement en tant que tel.
  2. Concernant la publication des ressources, c’est la Dgesco qui en a maintenant la charge. Une première salve de ressources élaborées pour la classe de Première est prévue – les missions de Canopé ont été redéfinies. Le reste devrait suivre, mais cela n’est pas du ressort direct de l’Inspection générale. Pour l’année prochaine, il a été accepté que les deux instances (Dgesco et Canopé) se partageraient la production des ressources pour les deux nouvelles questions limitatives de spécialité. Au sujet de l’université de Printemps du Festival d’histoire de l’art de Fontainebleau, des modalités de captation sont à l’étude, sachant que comme il relève du Plan national de formation – et non du plan académique de formation – c’est la Dgesco qui en a la maîtrise. Ce sont les académies qui ont la charge de la formation.
  3. Au sujet d’une refonte du calendrier dans le choix des questions limitatives et dans la production des ressources, il a été admis qu’il ne serait guère possible de faire mieux qu’actuellement, en particulier compte tenu du protocole aujourd’hui en vigueur qui préside à la fabrication et à la validation des programmes. Si l’Inspection générale a un rôle et participe à l’élaboration des programmes, c’est l’autorité ministérielle qui a le dernier mot. La concertation préalable implique les IA-IPR qui ont la charge de collecter les remontées des enseignants. Il y a ainsi une disjonction entre le temps d’élaboration et le temps de décision. Il a été pris note de notre demande d’être directement associé à la phase d’élaboration.
  4. Il a été rappelé ainsi qu’aucune information concernant les programmes ne pouvait être prise comme une certitude avant la publication du Bulletin officiel. Le choix du renouvellement des deux questions limitatives pour le programme de Terminale ne relève pas de leurs compétences. Ils ont mis en avant le grand nombre de ressources existantes pour ces deux nouvelles questions.
  5. Compte tenu du nouveau calendrier de Terminale – les épreuves de spécialité ont lieu en mars –, le Bulletin officiel du 13 février 2020 a redéfini le nombre de sujets proposés à l’épreuve écrite : il sera au nombre de trois – un pour chaque thème dans le but de donner une latitude plus grande aux équipes pour le traitement des questions et ce sans mettre en difficultés les élèves. Les inspecteurs généraux se sont engagés à réfléchir au nombre de portfolios demandés pour l’épreuve orale – ils sont au nombre de trois pour l’instant et imposent donc le traitement de tout le programme.

En conclusion, le collectif Paragone regrette que l’autorité ministérielle – une nouvelle fois – ait décidé de changements sans consultation des enseignants. Nous espérons notamment, qu’à l’avenir, le renouvellement des questions limitatives sera proposé en concertation avec le collectif Paragone et des équipes très directement en contact avec les élèves. Par ailleurs, le collectif Paragone veillera à obtenir des réponses aux questions qui restent toujours en suspens – sur le suivi de l’option facultative et l’épreuve orale de spécialité en particulier.

  1. On lit en effet dans les textes officiels qu’« au  cycle  terminal,  les  enseignements artistiques optionnels  accueillent  des  élèves  qui  ont suivi  ou  non  un  enseignement  artistique  en  classe  de  seconde. » []
  2. « Les professeurs placent au cœur de leur travail le contact direct avec les œuvres, dans leur matérialité et leur environnement. » []

Le PAVILLON DE LA SÉCESSION VIENNOISE ET LA figure de l’artiste

Betty Parois
 L’artiste : le créateur, individuel, collectif ou anonyme.

Œuvre principale retenue : le Pavillon de la Sécession à Vienne (Autriche) et sa salle conçue pour exposer les réalisations des artistes réunis en un collectif. Les éléments qui suivent donnent quelques éléments de mise en œuvre.

  • Comment l’artiste affirme-t-il son statut ?
  • Comment fonctionne un collectif d’artistes ?
  • Comment un artiste, perçu comme un créateur individuel, défini par sa singularité, peut-il s’intégrer et créer au sein d’un groupe ?
  • Comment s’articule l’identité personnelle de l’artiste et celle du groupe ?

Lexique : artiste, artisan, mécénat, Salon, autoportrait, portrait, manifeste, arts graphiques, typographie, œuvre d’art totale (Gesamstkunstwerk en allemand).

Séance 1 : Qu’est-ce qu’un artiste ? Comment a évolué le statut d’artiste ?
Activité 1 : visite (virtuelle) de l’exposition « Figure d’artiste » de la Petite galerie du Louvre en salle informatique.
Affiche de l’exposition à la Petite Galerie du musée du Louvre (25/09/2019-29/06/2020)

L’objectif est de faire comprendre aux élèves comment la notion d’artiste est apparue et de poser les jalons nécessaires à l’étude de la place de l’artiste dans la Sécession viennoise.

Tout d’abord, l’artiste a émergé en se distinguant de l’artisan à la Renaissance en mettant en avant des qualités de conception intellectuelle en plus de ses savoir-faire. La comparaison des portraits, et surtout des autoportraits, permet aux élèves de saisir les enjeux de la reconnaissance sociale. La signature devient un élément clé de revendication de l’identité artistique. La partie sur le Salon est l’occasion d’évoquer les rouages du mécénat et la hiérarchie des arts qui se renforce aux XVIIIe et XIXe siècles avec le système académique. Si la visite de la Petite galerie n’est pas possible, un travail similaire peut être fait à partir d’un corpus documentaire reprenant les œuvres exposées.

Continuer la lecture de Le PAVILLON DE LA SÉCESSION VIENNOISE ET LA figure de l’artiste

“Ecce homo” : (se) figurer l’homme (années 1950)

Vincent Casanova

Ce cours constitue une partie d’un chapitre plus largement consacré aux artistes en « situations » dans les années 1950.

Le terme de “situation” renvoie à la philosophie de Jean-Paul Sartre qui occupe une place centrale dans le monde intellectuel français aux lendemains de la Seconde Guerre mondiale. Sa pensée est alors influente et connaît un certain rayonnement international.1 Sartre s’inscrit dans une réflexion sur l’engagement (qu’il faut entendre comme “l’attitude de l’individu qui prend conscience de sa responsabilité totale face à sa situation et décide d’agir pour la modifier ou la dénoncer”) et l’adresse en particulier aux artistes – et tout particulièrement aux écrivains.2 La thèse de Sartre peut se résumer dans cette formule : “Il n’y a de liberté qu’en situation, il n’y a de situation que la liberté”.

Continuer la lecture de “Ecce homo” : (se) figurer l’homme (années 1950)

  1. Cf.  ce court extrait non sous-titré de la comédie musicale Funny Face – titre français « Drôle de frimousse »- réalisée en 1957 par Stanley Donen où le personnage de Flostre est une caricature du philosophe existentialiste –  le courant est rebaptisé « empathicalism. De plus dans le cadre d’un chapitre suivant consacré, aux enjeux soulevés par la modernisation technologique, une réflexion sur la comédie musicale – à travers celles de Vincente Minnelli par son travail sur les couleurs et l’usage du Technicolor en particulier – permet de réactiver la référence à cette œuvre de Donen dont l’un des thèmes est aussi celui de la mode. L’analyse de la séquence (on pourrait dire du numéro) « Think pink » offre un lien direct et de riches perspectives pour amorcer les innovations en matière d’art vestimentaire avec le “new look” de Christian Dior. []
  2. La question fut vive aussi au sein du champ musicien « savant » et elle a occasionné d’importantes controverses dans la première partie des années 1950 notamment. Signe que cela ne fut par marginal, Sartre, qui n’était guère familier de ce domaine, a préfacé en 1950 l’ouvrage du compositeur et théoricien René Leibowitz, L’artiste et sa conscience. Esquisse d’une dialectique de la conscience critique intégralement consacré à ces enjeux. Rappelons pour mémoire que Le Survivant de Varsovie – dont la composition date de 1947 – d’Arnold Schönberg occasionna également une réflexion au cours des années 1950 sur l’engagement de la part du philosophe Theodor W. Adorno. []

Tina Modotti. AMOURS ET POLITIQUE (1928-1931)

Thomas Goussu

Figure féministe, Tina Modotti a eu plusieurs histoires amoureuses avec des hommes. Faire l’inventaire de ses conquêtes, aventures et engagements sentimentaux, n’a pas  grand intérêt en tant que tel, mais les trois personnages masculins auxquels nous allons nous intéresser ont pesé sans conteste sur son destin, sur son engagement politique et artistique.

Il s’agit ici de faire un point, à partir des sources disponibles (qui sont rares, partielles et souvent partiales !), afin d’éclairer, notamment, ce qui se passe dans la vie de Tina Modotti entre 1928 et 1931. Cette présentation n’a donc pas pour ambition de donner des éléments de stricte analyse artistique de l’œuvre de Tina Modotti, mais plutôt de préciser quelques éléments du contexte historique et personnel dans lequel se déploie son activité créatrice.

Continuer la lecture de Tina Modotti. AMOURS ET POLITIQUE (1928-1931)

L’image des noirs dans l’art occidental (Partie 2)

Marie Lavin et Danielle Perez

Depuis l’article pionnier d’Ignacy Sachs publié il y a une cinquantaine  d’années dans la revue Annales E.S.C ., les recherches sur l’iconographie des Noirs dans l’art européen se sont multipliées jusqu’à l’organisation de l’exposition “Le Modèle noir. De Géricault à Matisse” au musée d’Orsay (26 mars-21 juillet 2019). De la traite des Noirs à l’émancipation d’aujourd’hui, la seconde partie de ce panorama continue d’appréhender les permanences et les transformations d’une figure qui n’a cessé d’interroger les codes de la représentation jusqu’à peut-être connaître maintenant de nouveaux horizons. On peut ainsi, avec Alain L. Locke, se rappeler que “l’art doit découvrir et révéler la beauté que les préjugés et les caricatures ont recouverts” (exergue du catalogue de l’exposition “Le Modèle noir”).  Continuer la lecture de L’image des noirs dans l’art occidental (Partie 2)

LA TRADITION DE LA REPRODUCTION

Emmanuelle Rabier

 

Les matières, les techniques et les formes : production et reproduction des œuvres uniques ou multiples.
  • La reproduction des œuvres relève-t-elle uniquement de procédés techniques ou constitue-t-elle un art en soi ?
  • À quel moment la reproduction fait-elle œuvre ?  
  • Comment les techniques de reproduction des œuvres ont-elles apporté de la nouveauté dans les arts ?
  • À quelles fins la reproduction des œuvres a-t-elle été utilisée par les artistes ?
  • La reproduction des œuvres les désacralisent-elles ?

Continuer la lecture de LA TRADITION DE LA REPRODUCTION

Hans Hartung et l’ABSTRACTION DANS LES ANNÉes 1950.

L’exposition “Hans Hartung. La fabrique du geste” qui se tient au Musée d’art moderne de la ville de Paris permet de prendre la mesure de la contribution décisive d’Hans Hartung dans les voies de l’abstraction au cours des années 1950.

Voici ce qu’écrivait Pierre Daix (p. 74-76) à ce sujet en 1988, dans le catalogue réalisé à l’occasion de l’exposition “Les Années 50” au Centre Georges Pompidou.

Continuer la lecture de Hans Hartung et l’ABSTRACTION DANS LES ANNÉes 1950.

L’image des noirs dans l’art occidental (PARTIE 1)

Marie Lavin et Danièle Perez

Depuis l’article pionnier d’Ignacy Sachs publié il y a très exactement cinquante ans dans la revue Annales E.S.C ., les recherches sur l’iconographie des Noirs dans l’art européen se sont multipliées jusqu’à l’organisation cette année de l’exposition “Le Modèle noir. De Géricault à Matisseau musée d’Orsay (26 mars-21 juillet 2019). Le panorama, ici déployé au long cours, permet d’appréhender les permanences et les transformations d’une figure qui interroge les codes de la représentation. Si les stéréotypes ont hélas la vie dure, on peut, avec Alain L. Locke, se rappeler que “l’art doit découvrir et révéler la beauté que les préjugés et les caricatures ont recouverts” (exergue du catalogue de l’exposition “Le Modèle noir”).

Continuer la lecture de L’image des noirs dans l’art occidental (PARTIE 1)

sculpter la condition humaine

Les « corps » de Colette Biquand

Sophie Schvalberg

Qu’il s’agisse de fétiches, totems, idoles, masques, effigies ou icônes, sculpter le corps humain relève du sacré. L’œuvre de Colette Biquand se réclame de cette tradition multiple. Son choix de travailler l’argile, selon une technique qui emprunte aux premiers potiers, s’inscrit dans une longue histoire anthropologique, où l’homme faisant face à l’incompréhensible et à l’invisible, se retrouve à façonner sa propre image. Cependant cette filiation n’a rien de naïf : Colette Biquand est bien une artiste contemporaine, traversée par l’inquiétude, le doute, la critique. Ses statues invoquent le sacré tout autant qu’elles le questionnent. Continuer la lecture de sculpter la condition humaine