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Sortir de l’ombre : femmes artistes du moyen âge (PARTIE 1)

Le 18 novembre 2021, dans le cadre du cycle “Histoires d’art. Créer un féminin” au théâtre du Rond-Point, Cristina Catalano, conférencière à la RMN, proposait un aperçu des femmes artistes au Moyen Âge et à la Renaissance. Sa conférence “Sortir de l’ombre” montre qu’au couvent aussi bien qu’au sein de la société laïque des femmes ont réussi à s’imposer en tant qu’artistes.
Le compte-rendu de la conférence a été réalisé par Virginie Fauvin, la recherche documentaire et iconographique par Fanny Gayon.

 

Il est très difficile de trouver des exemples d’œuvres de femmes artistes avant le Moyen Âge. Pline l’Ancien, dans son Histoire naturelle (Ier siècle) mentionne Iaia de Cyzique, peintre et sculptrice grecque, active à Rome autour de 80 av. J.-C. et quelques autres artistes grecques dont Irène (2e moitié du IVe siècle av. J.-C.), Aristarète (IIIe ou IVe siècle av. J.-C.), Calypso (vers 200 av. J.-C.), etc. La liste de Pline sera reprise par Boccace dans Les Femmes illustres (1374). Or on ne trouve aucune œuvre signée ou d’attribution certaine. L’existence de ces femmes a ensuite été effacée, certainement de manière volontaire, de l’histoire des arts.

«La poétesse Sappho » in Le Livre de Jehan Boccace de la louenge et vertu des nobles et cleres dames, translaté et imprimé novellement à Paris, 1493 (date d’édition), Bibliothèque nationale de France, département Réserve des livres rares, VELINS-1223
«La peintresse Thamyris » in Le Livre de Jehan Boccace de la louenge et vertu des nobles et cleres dames, translaté et imprimé novellement à Paris, 1493 (date d’édition), Bibliothèque nationale de France, département Réserve des livres rares, VELINS-1223
«La sculptrice et peinteresse Marcia (Iaia de Cyzique) » in Le Livre de Jehan Boccace de la louenge et vertu des nobles et cleres dames, translaté et imprimé novellement à Paris, 1493 (date d’édition), Bibliothèque nationale de France, département Réserve des livres rares, VELINS-1223
«La peintresse Irène » in Le Livre de Jehan Boccace de la louenge et vertu des nobles et cleres dames, translaté et imprimé novellement à Paris, 1493 (date d’édition), Bibliothèque nationale de France, département Réserve des livres rares, VELINS-1223

Du Moyen Âge au XVIIIe siècle, la plupart des femmes artistes sont nées dans un milieu artistique ; pour des raisons de mœurs et de morale, il leur était impossible d’accéder à un enseignement artistique en dehors du cercle familial. Filles ou femmes d’artistes, elles pouvaient alors avoir une pratique professionnelle. Pour les femmes de l’aristocratie, la musique, la littérature ou même la peinture étaient permises en tant qu’activités d’agrément au couvent, ou au sein du foyer.

Les barrières sociales ont joué un grand rôle dans l’exclusion des femmes artistes : interdiction de fréquenter les ateliers ou académies, confinement à la sphère domestique, invisibilisation de leurs productions, critiques souvent très dures de l’entourage ou des pairs… Les structures sociales ou institutionnelles ont lourdement pesé sur leurs choix de vie, jusqu’à les contraindre au renoncement. En effet, nombreuses sont les artistes qui ont cessé de pratiquer leur art une fois mariées.

Enfin, l’oubli est aussi la conséquence des disciplines artistiques qui leur sont autorisées. Travaux textiles, et enluminures de manuscrits mettent en œuvre des matériaux fragiles, sensibles à la lumière, à la moisissure, à la température, et soumises à l’usage, donc à l’usure du temps.

Femmes artistes du Moyen Âge

Créer au couvent

Pour certaines femmes, notamment des classes supérieures de la bourgeoisie, entrer dans les ordres leur permettait de se consacrer à l’étude et à l’art en dehors des stéréotypes imposés par la société aux femmes laïques. Les couvents sont d’importants lieux d’apprentissage, de culture et de création notamment dans les régions germaniques.

Guda est une religieuse de Rhénanie du milieu du XIIe siècle qui put exercer ses talents de copiste et d’enlumineuse. C’est à elle que l’on doit les illustrations de l’homéliaire dit de Saint Barthélémy conservé aujourd’hui à Francfort. Guda se représente dans le manuscrit à l’intérieur d’une lettrine (D) introduisant le chapitre de la fête de la Pentecôte, levant la main comme pour témoigner de la véracité de ce qu’elle va affirmer. Une inscription en latin (« Guda, peccatrix mulier, scripsit et pinxit hunc librum » signifiant « Guda, pécheresse, a écrit et enluminé ce livre ») affirme sa nature de pécheresse. Mais cette profession graphique d’humilité constitue de fait une affirmation inédite de sa personne en tant qu’artiste. C’est ainsi que Guda réalise l’un des premiers autoportraits de l’histoire de l’art occidental qui nous soient parvenus.

Homéliaire de Saint-Barthélémy, fin XIIe, copié et enluminé par Guda, Francfort, Bibliothèque universitaire Johann Christian Senckenberg, Ms. Barth. 42 (Ausst. 19)

Illustratrice de manuscrits, compositrice de musique, médecin-guérisseuse, Hildegarde de Bingen (1098-1179), religieuse bénédictine de Rhénanie, est l’une des artistes polymathes qui éclosent au XIIe siècle dans l’Europe du Nord. Son œuvre éclectique va de la description de ses visions mystiques aux sciences naturelles. Elle s’intéresse aux plantes et à leurs vertus, revisite la médecine d’Hippocrate et de Galien, invente une langue et son alphabet… Son apport aux arts est décisif en musique. Ses chants liturgiques et son drame Ordo virtutum (1151) se caractérisent par des mélodies monodiques très mélismatiques1.

« Autoportrait d’Herrade », in Hortus deliciarum, fac simile du manuscrit du XIIe siècle édité par Christian Maurice Engelhardt, 1818, Strasbourg, bibliothèque nationale et universitaire, R43-BNF.

Herrade de Landsberg (née entre 1125 et 1130, morte le 25 juillet 1195), abbesse du couvent de Hohenbourg en Alsace était poétesse, enlumineuse, encyclopédiste, musicienne. Elle aurait perfectionné le système de notation de la musique sur portée de Guido d’Arezzo.

Partition, Hortus deliciarum, fac simile du manuscrit du XIIe siècle édité par Christian Maurice Engelhardt, 1818, Strasbourg, bibliothèque nationale et universitaire, R43, BNF.

 Sa célébrité est surtout liée à l’Hortus deliciarum (Le Jardin des délices)2 qu’elle écrit et enlumine dans les années 1169-1175. Cette encyclopédie à vocation pédagogique – elle devait servir à l’instruction des jeunes religieuses- était illustrée de trois cents peintures de la main d’Herrade. Du manuscrit, ayant péri au cours du bombardement de Strasbourg en 1870, ne restent que des copies.

« Échelle des vices et des vertus », in Hortus deliciarum, fac simile du manuscrit du XIIe siècle édité par Christian Maurice Engelhardt, 1818, Strasbourg, bibliothèque nationale et universitaire, R43, BNF.

En Italie, Caterina Vigri (1413-1463), mystique bolognaise devenue Sainte Catherine de Bologne après sa canonisation, fut enlumineuse, écrivaine et peintre. Son travail pictural est intimement lié à sa dévotion : son bréviaire personnel est illustré de dessins, prolongements de sa méditation. Quatre tableaux, deux conservés à Bologne et deux autres à Venise, lui ont été attribués de manière incertaine.

Caterina Vigri, “Saint François d’Assise” , Bréviaire de Sainte Catherine de Bologne, 1438-1452, fol. 443r., Bologne, monastère Corpus Domini,.
Des femmes de lettres et cheffes d’ateliers laïques

Le mouvement des béguines, apparu à Liège au début XIIe siècle, se répand en Europe du Nord et France. Il s’agit de femmes laïques, veuves ou célibataires, qui se rassemblent de leur plein gré en communautés. Si beaucoup vivent au sein du béguinage, d’autres vivent à proximité. Il existait à Paris dans le Marais un béguinage qui comptait environ quatre cents membres chapeautés par une maîtresse nommée par l’aumônier du roi. Si le béguinage de Paris a disparu, d’autres existent toujours comme celui de Bruges, devenu couvent de bénédictines, et dont certaines maisons datent du XVe siècle.

Le béguinage de Bruges

Les béguines vivaient ensemble dans une quasi-indépendance financière et juridique. Elles exerçaient souvent dans les métiers du fil et pratiquaient le commerce des tissus, bénéficiant de l’intense activité commerciale en Flandres et dans la Hanse entre l’Italie, la France et les pays du Nord.

Codex Vindobonensis, séries nova 2644, Les vêtements de lin, Tacuinum sanitatis (tableau de santé), Anonyme italien, 1370-1400, peinture sur papier, Vienne, Österreichische Nationalbibliothek, Cod. Ser. N. 2644 Han

Même si les béguines, contrairement aux moniales, ne formulent pas de vœux, elles vivent selon une discipline religieuse. Le choix du célibat et de la chasteté s’accompagne d’une certaine émancipation culturelle et intellectuelle. On voit apparaître ainsi, aux XIIIe et XIVe siècles, dans le contexte du courant mystique rhénoflamand, un certain nombre de béguines écrivaines, s’adonnant à la théologie et à la poésie. Cependant cette indépendance vis-à-vis de la domination masculine n’allait pas tarder à susciter des réticences puis même la persécution, notamment en France.

Ainsi, Marguerite Porete (1250-1310), béguine de Valenciennes, poétesse mystique de langue française, autrice du Miroir des simples âmes anéanties (1395), est envoyée au bûcher pour hérésie.

Vérité annonce à mon cœur
Que je suis d’un seul l’aimée
Et dis que c’est sans retour
Qu’il m’a son amour donnée.
Ce don rend morte ma pensée
Des délices de son amour,
Délices qui m’exaltent et transforment par union
En la permanente joie d’être en divine Amour
Et divine Amour me dit qu’elle est au dedans de moi entrée
Aussi peut elle tout ce qu’elle veut.
Cette force, elle me l’a procurée comme un don
De l’amant que j’ai en amour,
À qui je suis vouée,
Qui veut que je l’aime
Si bien que je l’aimerai.
Je dis que je l’aimerai
Mais je mens, je ne suis pas celle-là
C’est lui seul qui aime – moi :
Il est un et je ne suis pas
Plus rien ne m’importe
Que ce qu’il veut,
Que ce qu’il vaut.
Il est plénitude
Dont je suis pleine 
Tel est le divin noyau
Telle est l’amour loyale.

Marguerite Porete, Le Miroir des simples âmes anéanties, 1295, traduit de l’ancien français par Claude-Louis Combet, éditions Jérôme Millon, 2001.

Si le mouvement se maintient dans les pays flamands (à Bruges en particulier), le Concile de Vienne en 1311 lui porte un coup d’arrêt en France. En Italie, le terme de béguine prend une connotation très misogyne – celle d’une nonne en gris frigide. À partir du XIVe siècle, l’hostilité grandissante à l’égard des béguines et des femmes artistes plus généralement correspond à la transition de la féodalité au système capitaliste. On assiste progressivement à des campagnes menées par les artistes hommes contre la présence des femmes dans les ateliers. Les commerçants de tissus notamment excluent les fabriques tenues par des femmes.

À la fin du Moyen Âge la répartition des rôles se rigidifie : les femmes sont reléguées au foyer. Pourtant jusqu’alors, et ensuite avec discrétion, de nombreuses femmes travaillent dans les ateliers familiaux. On en a des traces en ce qui concerne le travail du manuscrit.

Jeanne Montbaston (av. 1338 – ap. 1353) est l’un des rares exemples d’artiste laïque. Femme de Richard Montbaston, propriétaire d’un atelier de production de livres et d’enluminure à Paris sur l’île de la Cité, elle hérite, après la mort de son mari, de l’affaire familiale et se charge de la partie créatrice. Elle prête le serment des libraires en 1353 comme illuminatrix et libraria.

“Le Songe”, in Guillaume de Lorris, Jean de Meung, Le Roman de la rose, 1230-1235 (pour la partie de Guillaume de Lorris), 1275-1280 (pour la partie de Jean de Meung), édité et enluminé en 1351-1375 par Jeanne de Montbaston, Bibliothèque nationale de France. Département des Manuscrits. Français 802.
“Christine offre son livre au roi Charles VI”, in Le Livre de la Reine, volume 2 (recueil de textes de Christine de Pizan), édité en 1414 à l’attention d’Isabeau de Bavière, Londres, British Library, Harley MS 4431.

Christine de Pizan (v. 1364-v. 1431) est une figure intellectuelle incontournable du début du XVe siècle. Poétesse, femme de lettres, elle fut éduquée à la cour de Charles V par son père, médecin et astrologue italien, qui lui lègue sa bibliothèque. Devenue veuve très jeune et en charge de famille, elle décide de ne pas se remarier et de subvenir aux besoins des siens par sa plume. Elle est aujourd’hui considérée comme l’une des premières féministes.

À la suite de Boccace, elle consacre un ouvrage aux femmes illustres, La Cité des dames (1405), mais son propos prend un tour allégorique bien plus engagé et subversif : Christine de Pizan bâtit pour les femmes une cité idéale où s’incarnent les vertus.

“Raison, Droiture et Justice invitent Christine à édifier une cité pour les femmes méritantes”, in Christine de Pizan, La Cité des Dames, 1405, édité en 1413-1414, enluminé par le Maître de la Cité des Dames, Paris, BnF, Manuscrits, français 1178, f. 3

Son livre participe à la polémique autour du Roman de la rose de Jean de Meung, polémique à laquelle l’écrivaine avait grandement pris part, dénonçant la misogynie de ce succès de la littérature médiévale. Refusant de considérer la femme comme pécheresse méritant coercition et violence, elle s’attaque en particulier à la dichotomie, habituelle en son temps, entre femme charnelle et homme rationnel.

“Christine offre son livre à la reine de France Isabeau de Bavière”, in Le Livre de la Reine, volume 2 (recueil de textes de Christine de Pizan), édité en 1414 à l’attention d’Isabeau de Bavière, Londres, British Library, Harley MS 4431.

Un grand nombre de manuscrits de Christine de Pizan nous sont parvenus dont certains calligraphiés de sa propre main. L’écrivaine possédait de toute évidence son propre atelier d’écriture3, et quelques rubriques, dans ses manuscrits, montrent clairement qu’elle était la maîtresse d’ouvrage de ses livres, confiant les miniatures et marges à des artistes qu’elle avait choisis4, et auxquels elle imposait son iconographie. Dans La Cité des dames, elle mentionne une ornemaniste (dessinatrice des ornements des marges), Anastaise, dont on ne connaît presque rien si ce n’est cet éloge de son art. Christine de Pizan employait ainsi, de toute évidence des artistes femmes.

À propos de ces femmes maîtresses dans l’art de la peinture dont vous avez parlé, j’en connais une aujourd’hui, nommée Anastaise, qui maîtrise si bien la réalisation des rinceaux de vigne enluminés dans les livres et les fonds ornés des miniatures, qu’on ne connaît à Paris, où sont les meilleurs enlumineurs du monde, aucun qui la surpasse ni qui fasse plus délicatement qu’elle le décor floral et les filigranes (?) et dont le travail soit plus coûteux, quelle que soit la valeur ou le prix du livre qu’on lui demande d’enluminer, pour qui en a les moyens. Et je sais cela d’expérience car elle a réalisé pour moi-même des rinceaux de vigne qui passent pour remarquables parmi ceux des meilleurs enlumineurs.

Christine de Pizan, La Cité des dames, 1405, chapitre 41 du 1er livre (traduit en français moderne par Inès Villela-Petit)

  1. Le site narthex. fr propose deux articles sur Hildegarde de Bingen, très riches, proposant des éléments d’analyse musicale : “La musique divine harmonie 1“, “La musique divine harmonie 2 []
  2. Le site autour-du-mont-sainte-odile.fr offre une présentation détaillée du manuscrit de l’Hortus deliciarum : “L’histoire du manuscrit“, “Le mont Sainte-Odile selon Herrade de Landsberg“, “La musique d’Herrade“, et nombre d’articles consacrés à l’iconographie dans l’Hortus deliciarum. []
  3. À propos de Christine de Pizan éditrice, une conférence passionnante d’Inès Villela-Petit, historienne de l’art et spécialiste de l’enluminure du Moyen Âge, “L’atelier de Christine de Pizan 1” dans le cadre des conférences Léopold Delisle” à la BNF []
  4. Toujours d’Inès Villela-Petit, une deuxième conférence Léopold Delisle-BNF, à propos de Christine de Pizan, “illustratrice” et un ouvrage: Inès Villela-Petit, L’atelier de Christine de Pizan, 2020, BNF éditions []

EXPOSITION FEMMES GUERRIÈRES / FEMMES En COMBAT

Galerie Topographie de l’art, Paris. Du 5 mars au 7 mai 2022. Commissaire d’exposition : Isabelle de Maison Rouge
“Le point de départ de cette exposition est le petit dictionnaire des femmes guerrières qui démarre de la sorte : « il fut, dans tous les temps et dans toutes les nations, des femmes remarquables par leur courage et leur détermination dans des circonstances exceptionnelles et mouvementées, notamment dans les guerres. depuis la plus haute antiquité, les contemporains de telles héroïnes ont été interloqués par la relation de hauts faits qu’ils n’auraient pu auparavant attribuer qu’à des hommes particulièrement virils. De là, sans doute, cette suspicion latente qui rôde autour des grandes guerrières qui ont marqué leur siècle de leurs exploits : s’agissait-il vraiment de femmes ou n’étaient-elles pas de ces êtres bizarres, mi-hommes, mi-femmes, que l’on traite pudiquement de viragos ? et pourquoi, si ce n’est pour ne pas encourir l’opprobre, prenaient-elles soin généralement de s’habiller en hommes ? »

Lien vers la Galerie Topographie de l’art.

Le dossier de presse Femmes-guerrieres-Femmes-en-combatCP

Le mythe du féminin sacré dans les arts (partie 2)

Christophe Primault
Mystérieuse, maternelle, mystique, pécheresse… la représentation des femmes en art se caractérise par l’ambivalence. Et même si les artistes ne manquent pas d’exalter leur beauté, celle-ci peut être tout autant le signe du divin que l’ultime tentation du diable. Sacré ou profane, sacré et profane, le féminin a très tôt inspiré des mythes fondateurs construisant, dans l’imaginaire occidental, une idée équivoque de l’Éternel féminin qui s’actualise dans les arts au fil des siècles.

 première partie

La représentation du sacré féminin dans la religion chrétienne
Marie, avatar de la esse-mère

Après que le concile d’Éphèse en 431 a proclamé Marie « mère de dieu » (Theotokos en grec), la figure mariale progressivement s’impose dans l’iconographie et le culte chrétiens tout au long du Moyen Âge1, jusqu’à devenir centrale. Selon l’historienne de l’art, Anne Gersten2, ce dogme serait révélateur de la permanence du culte de la déesse-mère. Continuer la lecture de Le mythe du féminin sacré dans les arts (partie 2)

  1. Philippe Borgeaud, La Mère des dieux, de Cybèle à la Vierge Marie, Seuil, 1996 []
  2. Anne Gersten, De la grande déesse à la vierge en majesté. Histoire d’un mythe par l’image, Bruxelles, Académie royale de Belgique, coll. « Classe des arts », 2011 []

Femmes et fil. Les anti-Pénélope (partie 3)

Laura Bernard

Considéré comme une activité ou un passe-temps féminins, le travail de l’aiguille et du fil est associé à l’univers domestique auquel une grande majorité de femmes ont été assignées pendant des siècles. C’est l’ambivalence de ce médium, à la fois symbole d’exclusion et savoir-faire spécifiquement féminin, que de nombreuses artistes-femmes ont imposé sur la scène des avant-gardes au cours du 20e siècle et jusqu’à nos jours encore.

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Dentelle utérine

La lutte féministe menée par les artistes-femmes ne se cantonne pas au discours social et politique. L’art devient l’espace d’une visibilisation du corps féminin, où sexe et sexualité sortent de l’invisibilité imposée par le tabou. Dès la fin des années 1960, tandis que dominent dans l’art abstrait les formes géométriques ou minimalistes, apparaissent dans les œuvres d’artistes européennes, comme Magdalena Abakanowicz (1930-2017), et états-uniennes, comme Claire Zeisler (1903-1991), des formes saillantes ou ovoïdes, plus que suggestives, que l’on peut qualifier de vulvaires ainsi qu’une large prédominance de la couleur rouge.

Magdalena Abakanowicz (1930-2017) Abakan Red , 1969, Présenté anonymement en 2009, sisal et métal, 405 x 382 x 400 cm, Londres, 
   Tate Modern Gallery

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Femmes et fil. Les anti-Pénélope (Partie 2)

Laura Bernard

Considéré comme une activité ou un passe-temps féminins, le travail de l’aiguille et du fil est associé à l’univers domestique auquel une grande majorité de femmes ont été assignées pendant des siècles. C’est l’ambivalence de ce médium, à la fois symbole d’exclusion et savoir-faire spécifiquement féminin, que de nombreuses artistes-femmes ont imposé sur la scène des avant-gardes au cours du 20e siècle et jusqu’à nos jours encore.

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Dénouer les entraves

C’est dans les années 1970 que les artistes-femmes prennent un tournant nettement politique. Celui-ci passe par un état des lieux où se révèlent au grand jour toutes les formes d’aliénation. Raymonde Arcier tricote du fil de fer au point mousse pour réaliser une éponge métallique d’un mètre de diamètre, éponge à récurer les casseroles « pour se libérer des casseroles » : « Consciemment je reconstruisais une de mes prisons, la revivant avec des nœuds-barreaux malléables, qui s’élargiraient et s’ouvriraient à mon désir de partir. »1.

Raymonde ARCIER (née en 1939) Paille de fer pour ca(sse)role, 1974-1975, paille de fer, 1m de diamètre, 7 kg, coll. privée.

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  1. site de Raymonde Arcier : https://raymondearcier.jimdo.com []

Femmes et fil. Les anti-Pénélope (partie 1)

Laura Bernard

Considéré comme une activité ou un passe-temps féminins, le travail de l’aiguille et du fil est associé à l’univers domestique auquel une grande majorité de femmes ont été assignées pendant des siècles. C’est l’ambivalence de ce médium, à la fois symbole d’exclusion et de savoir-faire spécifiquement féminin, que de nombreuses artistes-femmes ont imposé sur la scène des avant-gardes au cours du XXe siècle et jusqu’à nos jours encore.

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Homère, dans l’Odyssée,donne à travers le personnage de Pénélope une représentation archétypale du travail féminin : ouvrage tissé et détissé ad libitum, le travail de Pénélope, certes virtuose, est parfaitement improductif et qui plus est, invisible.

Johannes VERMEER (1632-1675), La Dentellière, 1669-1671,  huile sur toile, 24,5 × 21 cm, Paris, musée du Louvre.

Les travaux de tapisserie et d’aiguille sont traditionnellement emblématiques du travail des femmes : école de la patience, de l’obéissance, et de la modestie – c’est le linceul de son beau-père Laërte que Pénélope tisse pieusement pour le jour de sa mort – ils ont longtemps été constitutifs de l’éducation féminine, les techniques étant transmises de mère en fille. Les abécédaires méticuleusement brodés par des générations de petites filles font partie aujourd’hui d’une mémoire commune dont les artistes-femmes se sont emparées. Cette mémoire est à bien des égards paradoxale : elle rend compte d’une culture et d’une sociabilité féminines dont témoigne par exemple Cotton Fields, Sunflowers, Blackbirds and Quilting Bees (1997) de Faith Ringgold (née en 1930), réalisée en patchwork – technique que l’artiste a apprise de sa mère avec laquelle elle ne cessa de travailler – en figurant une assemblée de femmes autour d’un ouvrage. Ces moments de travail collectif favorisent, de fait, la liberté de parole entre femmes, mais ils sont aussi représentatifs d’une séparation à laquelle l’ordre patriarcal les soumet. C’est ce que rappelle Carolle Bénitah, artiste française d’origine marocaine en brodant sur une photographie d’elle à 14 ans les motifs floraux que l’on voit sur le papier peint en arrière plan. En cousant son portrait à ce fond, l’artiste exprime le sentiment douloureux qu’elle avait alors d’être comme épinglée, assignée à un quotidien qu’elle n’avait pas choisi.

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