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Les ombres sonores de Tina Modotti (Partie 2)

Une proposition de réflexion et d’analyse photographique.

Par Gérard Der Haroutiounian

La découverte des photographies de Tina Modotti nous invite à réfléchir à la question de l’ombre, et porter un regard différent sur l’esthétique de ses clichés. Car les ombres de Tina Modotti renferment des fantômes         visuels tout autant que sonores : bruits, sons, paroles et musique.

lire la 1ère partie

Des ombres qui chantent

Autre cliché, autre univers : la nature morte Composition avec manche de guitare, maïs et cartouchière nous renvoie à une série de photographies sur la même triade de composition, dont Guitare, faucille et cartouchière de 1927 ou Faucille, marteau et sombrero de 1927, ou bien encore Guitare, faucille et cartouchière de 1927. Dans la nôtre, l’ombre du manche de la guitare cache, en partie, la bande de cartouches et la tête de l’épi de maïs. Le centre géométrique de cette composition est à nouveau situé vers le haut, bien que le point focal soit l’épi de maïs – rappelons-nous que le maïs, céréale vitale au Mexique, est le symbole de la réforme agraire de la révolution    mexicaine.

Tina MODOTTI (1896-1942), Composition avec manche de guitare, maïs et cartouchière, 1927

Cette photographie qui peut s’orienter à plat dans n’importe quelle position conserve toujours un aspect abstrait. Le cadrage laisse apparaître à nouveau des triangles : deux de chaque côté de l’image et un en bas sur lequel est posé l’épi de maïs. Les cordes parallèles de la guitare se croisent obliquement avec les cartouches, elles aussi parallèles. Mais la légère volute que forme la bande des munitions adoucit ces balles meurtrières. La régularité perpendiculaire des frettes, sur le manche de guitare – principale ligne de force-, préfigure une ascension, ou une échelle. À ces lignes régulières s’ajoutent les lignes parallèles, mais chaotiques, de l’épi de maïs qui rompent la composition. Cet épi est ici la seule touche claire et, comme nous l’avons dit plus haut, le point focal ! Encore une fois Tina Modotti allie savamment géométrie rectiligne et courbes.

Si l’on observe peu d’ombres dans cette composition, on y trouve en revanche une multitude de sons. On devine aisément le bruit que produisent les cartouches d’arme à feu, mais imagerions-nous ceux de la douille qui est éjectée et des bruits mécaniques annexes du fusil ? On suppose le goût du maïs, mais penserait-on à la fois, au son des feuilles que l’on écarte, le son sec de la machette qui coupe l’épi, ou encore, les grains qui éclatent bruyamment lorsqu’on le cuit ? Pour la guitare, la musique est une évidence. Il y a dans cette photographie une ombre qui chante.

Bien sûr, nous pensons à des chansons1: à La Cucaracha, La Marieta, La Adelita, La Valentina ou à Corrido2 de Pancho Villa, des hymnes révolutionnaires mexicains. La Cucaracha3 est un timbre qui a traversé les siècles. Sur cet air, on a placé à chaque époque des paroles adaptées. La scansion rythmique trochaïque (longue-brève), ainsi que l’accentuation de la langue espagnole, en finale de chaque vers, est cinglante et sans appel, comme une balle !

Tina MODOTTI (1896-1942),  Concha   Michel, 1927

On reconnaît dans le cliché ci-dessus, la guitare de son amie Concha Michel (1899-1990), qui lui a prêté son instrument pour la série de compositions. Elles chantaient souvent de concert avec Luz Ardizana, Bandiera rossa (1908), « le drapeau rouge », l’un des chants communistes les plus connus.

Ainsi, dans cette série de photographies partisanes, dont est issu le cliché analysé, Tina Modotti fait vivre et chanter l’ombre des symboles propres au communisme (la faucille, le marteau, l’étoile…), tout en les acculturant aux aspirations et à la réussite de la révolution mexicaine (le sombrero, la cartouchière, la guitare et, surtout, le maïs). Si l’ombre en tant que silhouette sans épaisseur est ici absente, c’est l’ombre sonore qui a pris la place.

Des ombres qui clament

Pour rester dans le contexte politique qui animait Tina Modotti, nous allons nous attarder sur cette célèbre photographie.

Tina MODOTTI (1896-1942), Femme au drapeau, 1928

Au centre de ce cliché, on voit une femme. Elle se tient de profil avec sa coiffure tenue sans doute par un chignon. Le cliché a été pris alors qu’elle marchait. Le pan de sa robe, ainsi que le drapeau, sont légèrement gonflés. Son pied droit est en avant, avec le pied gauche qui se relève pour s’élancer. Le drapeau qu’elle tient est très probablement rouge – les cheveux et les chaussures sont plus sombres. On ne distingue pas ses membres supérieurs, car ils sont cachés par la bannière. On devine juste le coude droit. Son allure élégante dessine un galbe vertical plein de noblesse. Celui-ci est renforcé par la partie gauche de l’étendard qui le reprend.

L’analyse géométrique, qui une fois encore allie droites et courbes, est aisée. Trois bandes horizontales découpent l’arrière-plan : en bas, le sol (le plus étroit), le muret (deux fois plus large) et le ciel (trois fois plus large), avec peut-être une colline arborée qui souligne cette ultime bande. Se détache sur ce fond la verticalité de la femme ceinte par une écharpe ou une large ceinture sombre qui contraste fortement avec sa robe sans doute blanche. Cette ceinture souligne du même coup la hauteur du muret. Enfin, la diagonale de la hampe en bambou est elle-même croisée par le renflement du drapeau, prolongement de l’avant-bras droit. Le sens de lecture de l’image nous propose d’avancer dans la bonne direction, celle du Parti communiste mexicain.

Néanmoins, il nous faut aller plus loin dans l’analyse formelle. Car l’ombre portée sur le mur intrigue. Alors que le drapeau, pendant sur sa hampe, forme un triangle, son ombre associée à celle de la robe forment ensemble l’ombre rectangulaire d’un drapeau fièrement déployé. N’inviterait-elle pas le peuple à suivre l’étendard rouge et entonner l’incipit de Bandiera rossa « Avanti popolo, alla riscossa4» ?

Il reste néanmoins une question : le modèle pose-t-il, ou bien est-il pris sur le vif ? Il est possible, ici, qu’il pose, puisque Tina Modotti précise :

« Je sais que les images qui se présentent dans la rue sont riches et merveilleuses, mais tout ce que je peux dire, c’est que la façon dont j’ai l’habitude de travailler, en composant lentement mes clichés, etc., ne convient pas à ce genre de travaux. Le temps d’obtenir la composition ou l’expression que je souhaite, l’image a disparu »5.

Mais en ce cas, comment le pan de robe bouge-t-il ? Utilise-t-elle un vieux truc du cinéma muet, le ventilateur ? Il est plus probable que le modèle marchait lentement, et que Tina Modotti, profitant de l’extrême luminosité qui existe au Mexique, utilise la technique de la balance photographique entre l’ouverture du diaphragme et celle de la vitesse de l’obturateur, en privilégiant une vitesse de déclenchement rapide.

Quoi qu’il en soit, et même si elle affirme : « j’essaie de faire, non pas de l’art, mais des photographies honnêtes, sans trucages, sans manipulations »6, il apparaît que composer est pour elle un acte nécessaire. Cette contradiction est présente également dans la série de photographies sur les manifestations et défilés7. En effet, alors qu’il s’agit d’un simple reportage, ces clichés montrent une réelle recherche artistique – au moment du tirage, il arrive qu’elle choisisse le plan montrant la meilleure composition -, même si dans ces images au contenu politique, ce qui frappe le plus est le mouvement qui s’en dégage.

Ainsi, dans Femme au drapeau, Tina Modotti compose une allégorie, celle du Parti communiste mexicain. Elle représente « La Bannière rouge » et invite ouvriers et paysans à la suivre.

Des ombres qui hurlent

Tina Modotti, Les Mains du marionnettiste, 1927

Ce dernier cliché fait lui aussi partie d’une série, celle des marionnettes et des mains de marionnettistes. D’un point de vue formel, tout semble simple. Une marionnette figurant une femme est debout en bas, au centre. Elle est tournée vers la gauche, les bras en avant et elle occupe le tiers inférieur. Elle est vêtue avec élégance d’une robe à manches longues avec, sans doute, une écharpe et son visage, triangulaire, est neutre. La figurine est-elle en train de chanter ou de parler ? En haut, décentrées légèrement sur la partie gauche, apparaissent les mains du marionnettiste. Il s’agit très probablement des mains de Louis Bunin (1904-1994), jeune artiste de Chicago qui débarque au Mexique dans les années 1920 pour travailler avec le muraliste Diego Rivera (1886-1957). Pendant son séjour, il découvre le théâtre de marionnettes qu’il considère comme l’art le mieux adapté à ce pays en raison de l’analphabétisme qui y sévit mais aussi de l’importante tradition artisanale mexicaine.

La main gauche tient la croix et la main droite, dont on voit l’avant-bras, tire les fils. En revanche, mis à part les ombres sur lesquelles nous allons revenir, le fond est absolument vide. Il est clair – il s’agit sans doute d’un muret – tandis que le sol où se tient la marionnette est foncé. C’est bien entendu les ombres qui nous intéressent ici.

En effet, elles occupent plus de place dans la composition que les mains et la marionnette. Les ombres des mains sont disproportionnées, effrayantes, agressives : on dirait des crochets, ou bien encore que la main gauche tient un couteau. L’ombre de la marionnette, elle, est vivante. Elle hurle de frayeur en se cambrant en arrière. Cela ne manque pas d’évoquer, dans notre mémoire collective actuelle, le personnage de Marion Crane dans la scène de la douche dans Psychose d’Alfred Hitchcock, les coups de couteau, soulignés par les accents stridents et suraigus des violons. Bien évidemment, Tina Modotti n’a pas connu ce film, mais le spectre de la peur, illustré ici par l’ombre, est bien là.

Alors, faut-il voir dans cette interprétation une simple coïncidence ? Tina Modotti ne laisse rien au hasard, préférant la composition au simple cliché documentaire. Militante féministe, il ne serait pas étonnant qu’elle veuille ainsi représenter la condition des femmes de son époque. Le silence en dit parfois plus que les mots, et l’espace du silence pour Modotti est l’ombre.

***

Ainsi, malgré un souci permanent du mouvement et de la forme, il n’en demeure pas moins que Tina Modotti tient à rendre ses clichés vivants. Par les moyens du négatif, de l’ombre portée et du jeu avec le noir et blanc, elle laisse une place importante à ce qui est dans l’ombre et qui lui appartient. En tant que spectateurs, nous sommes conquis par les sons qui se dégagent de tous ces clichés. Tout comme elle parle à Tina Modotti, l’ombre nous parle également. Elle produit des sons et profère du sens.

Pour porter un regard contemporain sur Tina Modotti, on peut écouter la Suite pour Tina Modotti (2008), composée par Francesco Bearzatti et interprétée par le Tinissima Quartet, Tinissima étant le diminutif de Tina. Cette suite retrace la biographie de la photographe italo-mexicaine. Ce musicien est passionné par la photographie et, surtout, il est originaire du Frioul, région où est née, 70 ans avant lui, Tina Modotti !

Bibliographie :

Tina Modotti photographe et révolutionnaire de Maria Caronia et Vittorio Vidali, chez Des Femmes (1981).

Tina ou la beauté incendiée de Pino Cacucci, chez Belfond (1991-1993).

Tina Modotti Amour, Art et Révolution de Margaret Hooks, chez les éditions Anatolia (1995).

Tina Modotti de Margaret Hooks, collection 55, chez Phaïdon (2002).

Tina Modotti la renaissance mexicaine, livre publié pour l’exposition éponyme, chez J-M Place (2002).

Tina Modotti d’Angel de la Calle, chez Vertige Graphic (2011).

Femmes photographes. Émancipation et performance (1850-1940) de Federica Muzzarelli, chez Hazan (2009).

Vocabulaire d’esthétique d’Étienne Souriau, aux PUF (1990).

Les mots de la photographie de Christian Gattinoni, chez Belin (2004).

 

 

 

 

 

  1. Les chansons sont généralement interprétées par des « mariachis ». Ce mot désigne au Mexique un groupe de musiciens constitué d’une, parfois deux trompettes, de deux ou trois violons, d’une guitare et d’un guitarron sorte de guitare basse. []
  2. Corrido est une variante mexicaine du romance espagnol. Les vers ont un caractère narratif. La mélodie est généralement chantée à deux voix, en tierces parallèles, dans une tonalité majeure. []
  3. Pour mémoire, durant la Seconde guerre mondiale, la guerre des ondes permet, depuis « Radio-Londres », à la France libre de brocarder la station collaborationniste « Radio-Paris », en gardant le refrain de cette chanson, avec les paroles suivantes : Radio-Paris ment, Radio-Paris ment, Radio-Paris est allemand ! []
  4. « En avant, peuple, à la rescousse ! » []
  5. Extrait de son manifeste Sur la photographie paru en décembre 1929 ; in Tina Modotti d’Angel de la Calle, p. 257. []
  6. Ibid. []
  7. Entre autres, Défilé d’ouvriers à Mexico (1926) ou Défilé du 1er mai à Mexico (1926). []

Les ombres sonores de Tina Modotti. (partie 1)

 

Une proposition de réflexion et d’analyse photographique.

Par Gérard Der Haroutiounian

La découverte des photographies de Tina Modotti nous invite à réfléchir à la question de l’ombre, et porter un regard différent sur l’esthétique de ses clichés. Car les ombres de Tina Modotti renferment des fantômes         visuels tout autant que sonores : bruits, sons, paroles et musique.

Pline l’Ancien raconte que dans la Grèce antique, Callirrhoé de Sicyone, fille du potier Butades, avait imaginé de tracer avec du charbon de bois l’ombre du profil de son amant projetée sur un mur par une lampe à huile. À l’image de ce mythe fondateur, nous pouvons déceler dans les ombres des photographies de Tina Modotti un univers diégétique interne. Telle Callirrhoé, elle immortalise, à Mexico, celui qui deviendra son amant, le militant communiste Vittorio Vidali (1900-1983). La lumière qui vient de la gauche porte l’ombre de cet homme aux multiples visages, si bien qu’il occupe presque la moitié de la photographie. De face, il apparaît détendu. En revanche, son ombre reste vigilante et, peut-être, tente-t-elle de s’échapper de la prise de vue ! De fait, Vittorio Vidali était un homme de l’ombre, un personnage trouble, simple militant ou agent secret, revêtant des identités différentes selon les circonstances.

Tina MODOTTI (1896-1942), Portrait de Vittorio Vidali
à Mexico,
1927

À l’heure de la photographie numérique, il semble important de rappeler que la photographie argentique est une technique qui fixe, sur un papier spécifique, des images grâce à la lumière émise par un objet ou une scène que l’on veut représenter. La photographie en noir et blanc retranscrit les couleurs en niveau de gris, et permet des contrastes qui accentuent les parties à mettre en valeur. La main de l’Homme n’entre en compte que dans la prise de vue : la composition et le cadrage. Nous ne nous attarderons ici, ni sur le développement, ni sur le tirage, sur lesquels on peut exercer, bien entendu, d’ultimes retouches.

Il faut donc bien comprendre que la prise de vue à travers le viseur est l’étape principale du processus. C’est l’œil du photographe qui voit sa composition, certes en couleurs, mais qui la filtre en noir et blanc bien avant le tirage. Ce dernier n’est que l’enregistrement fixé de la prise de vue initiale qui élabore la composition, comme une partition qui figerait la musique que le compositeur a dans l’oreille.

La définition du mot « ombre » suggère plusieurs sens : le négatif des photos argentiques – c’est lui qui produit l’ombre sur le papier ; mais aussi l’ombre portée, qui est cette zone obscure que projette un corps opaque sur la surface opposée à celui d’où vient la lumière oblique – comme dans ce premier cliché. Enfin, il y a l’ombre qui en dit parfois plus que le modèle : celle de Vidali en raconte plus sur le personnage que le sujet lui-même. En d’autres termes, le « filtre » de Tina Modotti est fait d’un dialogue sensible entre l’ombre portée et l’image obtenue au tirage. C’est là que l’univers sonore s’invite dans l’image fixe. Bien sûr, les autres sens peuvent intervenir, comme la sensation de chaleur qui pèse sur la peau, les odeurs et parfums qui circulent et que l’on peut imaginer. Mais nous n’allons admettre que la distanciation sonore.

Les ombres sensuelles d’Edward Weston

Nous savons que Tina Modotti découvre l’art de la photographie avec Edward Weston (1886-1958) aux USA. Elle apprend, grâce à lui, à « voir » en achromie.

Outre la posture d’une femme nue allongée (sujet inépuisable dans l’art !), cette photographie de Weston montre ce qui a formé le regard de Tina Modotti : les formes et les contrastes en noir et blanc.

Ainsi, on remarque que plusieurs triangles s’inscrivent dans cette photographie. Ils sont dus au cadrage, légèrement relevé à gauche, qui accentue la diagonale de la ligne de force sur laquelle repose le modèle. Le jeu de clair-obscur est permis par la lumière éclairant le côté rectiligne du corps du modèle, ainsi que par la présence d’un fond sombre, une couverture rayée posée sur un dallage. Weston accentue les contrastes : l’ombre (noire) des jambes et des cuisses accentue la lumière qui les illumine. L’auréole noire des cheveux répond à celle des pieds.

Mais ce sont les quatre triangles formés par le corps et son ombre qui retiendront notre attention. Le premier est situé en haut à droite de l’image. Il est dessiné par les bras entre lesquels s’inscrit la tête du modèle, qui serait Tina Modotti. Le deuxième triangle est l’ombre de la cuisse droite sur la serviette, qui semble répondre au premier triangle. Enfin, plus petit, le blanc, qui apparaît dans ce triangle ombré de la cuisse droite et qui, lui-même, renvoie comme un miroir au triangle pubien de la jeune femme. Cette mise en résonance est accentuée, d’une part, par la blancheur du corps et, d’autre part, par l’ombre portée de ce corps. Cette dernière nous montre qu’une ombre n’a pas d’épaisseur ; c’est « un être nouveau fait de noirceur»1. C’est ce triangle blanc, issu de l’ombre, qui nous murmure, ou nous fredonne…

Edward WESTON (1886-1958), Tina nue sur la terrasse sur une couverture rayée, 1924

Est-il possible de parler ici d’abstraction ? Oui, si l’on considère que l’utilisation unique du noir et blanc, pendant les soixante premières années de l’invention de la photographie, constitue déjà une sorte de simplification des formes, tendant à abstraire les sujets tout en travaillant la matière de la lumière. Les artistes photographes des avant-gardes des années 1920-1930 en ont exploité la plasticité, construisant leurs images selon une forte structure formelle, avec des gammes de gris, des rythmes et des harmonies visuelles. Edward Weston parle lui-même d’abstraction :

« Nous devons tenter de répondre à tous nos désirs : à présent je me sens de plus en plus porté vers l’abstraction. Peut-être n’est-elle pas la meilleure utilisation de la photographie. Du moins signale-t-elle un point de vue plus introspectif, une approche plus intellectualisée des sujets.2»

Tina Modotti n’a jamais caché qu’elle devait tout à son mentor Edward Weston et celui-ci n’a jamais porté ombrage à son modèle, maîtresse et élève, Tina.

C’est donc la composition, le cadrage et les niveaux de gris qui vont nous intéresser dans l’analyse des ombres sonores modottiennes. Nous appuierons notre propos sur les œuvres suivantes de Tina Modotti : Fils téléphoniques (1925), Composition avec manche de guitare, épi de maïs et cartouchière (1927), Femme au drapeau (vers 1928) et Mains du marionnettiste (1929).

Des ombres qui bruissent

À présent, plongeons dans cet univers diégétique interne. La prise de vue permet à l’artiste, par son « filtre », d’apprécier des ombres évidentes, de choisir un cadrage, déclencher l’obturateur, et par là même de fixer le spectacle des choses. Il impose son point de vue, mais le titre donné à la photographie – pas toujours par l’artiste – prescrit aussi une vision de l’image dont il faut essayer de se soustraire. De même nous nous tiendrons à l’écart d’une biographie à bien des égards romanesque dont l’intérêt extrapole les limites de sa carrière de photographe. Celle-ci n’a finalement duré qu’une petite dizaine d’années, proche de l’abstraction avec Papier d’aluminium chiffonné 3 mais marquée aussi par son engouement pour la révolution mexicaine4– jusqu’à son engagement au sein du parti communiste.

Tina MODOTTI (1896-1942), Fils téléphoniques, 1925

Dans ce premier cliché choisi, symbole de modernité de la communication mondiale de l’époque, on remarque que les câbles dirigent leur faisceau de façon verticale. La prise en contre-plongée nous montre que Tina Modotti voit d’emblée l’impression de l’image de ces câbles parallèlement resserrés sur le ciel nuageux. Une teinte sombre en forme de X, comme deux croissants, apparaît au tiers haut de l’image, ombre plutôt courbe qui circule parmi ces lignes droites… Au bas de l’image se dressent les poteaux qui soutiennent ces câbles téléphoniques mais la prise de vue nous dérobe leur emprise dans le sol. Plus encore, d’un point de vue géométrique, cet élan vertical est renforcé par les câbles latéraux, légèrement obliques, qui dessinent une flèche dirigée vers des destinations inconnues. Les poteaux, comme suspendus, sont un carrefour d’où partent les fils qui vont courir par le monde. Ce n’est pas sans raison que Germán List Arzubide5 (1898-1998) surnommait « bois électriques » cette œuvre, ainsi que l’autre de la même série, Lignes télégraphiques.

Les traits serrés de ces fils hachurent perpendiculairement et/ou obliquement le plan, comme les hachures du dessinateur figurant les zones d’ombre. Si l’œil de Modotti, appréhende immédiatement cette composition très graphique, pour le spectateur, en revanche, il faut un certain temps pour en apprécier toute la subtilité.

Mais surtout, tous ces éléments mettent en place un système sonore : ces câbles noirs sont des « fils qui chantent6», grâce à l’action du vent qui naturellement les fait vibrer, produisant un léger ronronnement. Bien plus, le téléphone transmet les voix ou, plus exactement, il les porte ! Ainsi, on imaginerait entendre simultanément la multitude de conversations qui circulent, se croisent et se superposent, comme dans la bibliothèque des Ailes du désir de Wim Wenders.

1.Extrait de la tirade du personnage de l’Ombre double, scène 13 de la deuxième journée dans Le soulier de satin de Paul Claudel (1929).

2-.Propos cité dans Les mots de la photographie de Christian Gattinoni, article « Abstraction », p. 7-8.

3. C’est une remarquable étude de texture et de contraste, un cliché rare, sans doute le plus abstrait qu’elle créa durant sa période expérimentale. Elle fait partie d’une série avec les verres, les roseaux et les fleurs.

4. La révolution mexicaine a marqué les mémoires. On peut citer le roman de Bruno Traven (1882-1969) Trésors de la Sierra Madre (1927), qui sera repris pour le film de John Huston en 1948. Le cinéma soviétique sera séduit par ce pays avec Que viva Mexico de S.M. Eisenstein. Un film sera monté après bien des vicissitudes en 1979. On retrouve dedans des prises de vue, qui sont des reprises de clichés de Tina Modotti, comme celle de la femme qui porte une gourde à Tehuantepec.

5.  Poète et révolutionnaire mexicain membre du mouvement artistique interdisciplinaire d’avant-garde Estridentismo (le stridentisme), fondé par le poète Manuel Maples Arce en1921. Par leurs actions provocatrices et iconoclastes, les artistes de ce mouvement peuvent se comparer au dadaïsme et au futurisme. On peut citer leur slogan préféré : « Chopin à la chaise électrique ! ».

6. Que l’on veuille bien nous pardonner cette référence triviale à la bande dessinée Lucky Luke, Le fil qui chante de Morris et Goscinny.

 

 
 

Tina Modotti, photographe (partie 2)

Nous publions ci-dessous une version rédigée, élaguée des notes prises lors d’une conférence d’Eve Lepaon, conférencière au musée du Jeu de Paume. Cette intervention s’est déroulée le jeudi 25 novembre 2017 lors du stage organisé par l’Académie de Créteil pour l’ensemble des enseignants d’histoire des arts.

Retrouvez en fin d’article des vidéos sur les photographes mentionnés.

 (Re)Lisez la partie 1 Du pictorialisme à la photographie moderne : la photographie artistique

Écoutez la conférence 

PLAN

I. Du pictorialisme à la photographie moderne : la photographie artistique
II Une approche plus moderniste marquée par le constructivisme
III La question de la photo documentaire et de l’engagement

 

Modernités et constructions

T. MODOTTI (1896-1942), Canne à sucre, 1926
T. MODOTTI (1896-1942), Canne à sucre, 1926

Le formalisme de Weston se retrouve dans cette image car c’est une photo qui se joue des formes et du graphisme tout en évoquant le contexte mexicain. La recherche formelle est marquée par des réflexions sur le medium, mais toujours associées à une dimension sociale et politique. L’effet de rythme de cet ensemble de cannes, jeu des formes verticales et des lignes peut être associé aux photo de fils électriques.

Tina MODOTTI (1896-1942), Poteaux télégraphiques, 1925
Tina MODOTTI (1896-1942), Poteaux télégraphiques, 1925
Tina MODOTTI (1896-1942), Fils téléphoniques, 1925

 

 

 

 

 

 

 

 

«Centrés sur le moteur urbain d’une nation en train de se construire, ces images rigoureusement construites étaient saisissantes à une époque où beaucoup de photographes en restaient à un répertoire de scènes bucoliques « typiques » et de « types » mexicains « colorés ». À l’opposé, les cadrages audacieux, les prises d’angles spectaculaires, et l’intérêt pour les matériaux industriels – verres, fils électriques, acier, pierre – suggèrent chez Modotti des métaphores originales de la société mexicaine. Vu à travers son objectif, le Mexique apparait comme une nation en transition […].»1 L’extrême graphisme de l’image sert ici l’évocation de la modernité car la modernisation du pays est en marche , les ressources sont aussi consacrées à l’amélioration du réseau de communication et les nouvelles technologies fascinent. La composition de fils est extrêmement formelle et véhicule l’image d’une nation en train de se construire, en rupture avec le passé. La contre-plongée donne une vision hérissante de cette nouvelle ouverture sur le monde.

Ces photographies ont été reprises dans les revues artistiques européennes de l’époque car elles faisaient écho à d’autres artistes, en France ou en Allemagne, qui privilégiaient cet intérêt pour la forme et utilisaient des sujets analogues comme André Steiner ou François Kollar. L’intérêt des photographes était alors tourné vers des images d’une valeur esthétique soignée et des structures symboles de la modernité.

François KOLLAR (1904-1979), Trains et fils électriques, entre 1931 et 1934, positif d'un négatif monochrome sur support plastique, 6 x 6 cm, Charenton-le-Pont, Médiathèque de l'architecture et du Patrimoine
François KOLLAR (1904-1979), Trains et fils électriques, entre 1931 et 1934, positif d’un négatif monochrome sur support plastique, 6 x 6 cm, Charenton-le-Pont, Médiathèque de l’architecture et du Patrimoine

Les fils semblent dominer le réseau, vu de l’intérieur d’un train. Des compositions abstraites de sujet similaire sont expérimentées par Eli Lotar : le cadrage élude le sujet, selon un point de vue central qui accentue la symétrie.

Eli LOTAR, Isolateur, vers 1930, épreuve gélatino-argentique, 24,1 x 20,1 cm, Paris, Centre Pompidou, MNAM-CCI

Une série d’images serait à comparer avec le travail de T. Modotti, du fait de la recherche de composition géométrique et de l’évocation d’un monde en mutation2 .

Jean ROUBIER (1896-1981), poteau télégraphique, vers 1933, épreuve gélatino-argentique, 21 x 17,4 cm, Paris, Centre Pompidou, MNAM-CCI
André STEINER (1901-1978), Poteau télégraphique, 1935-1937, épreuve gélatino-argentique, 21,8 x 18,1 cm, Paris, Centre Pompidou, MNAM-CCI

Les poteaux télégraphiques sont les nouveaux arbres industriels et peuvent être qualifiés de « bois électriques »3. La couverture de Renger-Patzsch Le Monde est beau établissait une comparaison entre une plante et la modernisation :

Couverture de Die Welt ist schön. Einhundert photographische Aufnahmen von Albert Renger-Patzsch [Le Monde est beau. Cent photographies d’Albert Renger-Patzsch], Carl Georg Heise, Munich, Kurt Wolff-Verlag, 1928

C’est l’affirmation d’un monde en transition et l’apparition d’une dimension politique.

EL LISSITZKY (Lazar Lissitzky, dit), Couverture de la revue URSS en construction, n°6 juin 1934
EL LISSITZKY (Lazar Lissitzky, dit), Couverture de la revue URSS en construction, n°6 juin 1934
Revue URSS en construction, première page du n°9, 1931
Revue URSS en construction, première page du n°9, 1931

 

Les couvertures de L’URSS en construction proposaient le même type de photographies modernes, générées par le photomontage. Le photomontage4 constituait une opération optiquement et conceptuellement nouvelle,  une création mécanique5. Ce journal de propagande du régime donnait une dimension politique à ce type d’image et une idée que la nation se construit par une ambition politique forte.

Ces images ont une valeurs documentaire ET politique, associées à leur caractère esthétique pour donner à voir la grandeur de la modernité.

Monumentalité et évolution technologique.

François KOLLAR (1904-1979), La Tour Eiffel, vers 1930, tirage gélatine-argentique d‘époque, Paris, Centre Pompidou, MNAM/CCI.
François KOLLAR (1904-1979), La Tour Eiffel, vers 1930, tirage gélatine-argentique d‘époque, Paris, Centre Pompidou, MNAM/CCI.

A partir des années 1920, l’appareil devient plus léger, permet de choisir de nouveaux points de vue, et une mobilité que la peinture ne peut pas rendre mais qui rappelle, dans la libération du processus qu’elle engage, la révolution du pleinairisme6 pour les impressionnistes. Les appareils allemands Leica apparaissent en 1924 et la photographie devient l’outil du dynamisme de l’instantané. Les photographes peuvent ainsi explorer plongée, contre-plongée, diagonale, dissymétrie, gros plans, contrastes de perspectives et de formes.

L’appareil devient un outil d’exploration du monde et donc de transformation du regard en mouvement. Les images traduisent cette mobilité du nouvel artiste qui est un marcheur, qui va monter à la Tour Eiffel, ou à Berlin.

Laszlo MOHOLY-NAGY (1895-1946), Vue de Berlin depuis la tour de la radio, 1928, épreuve gélatino-argentique collée sur carton, 24,5 × 18,9 cm, Paris, Centre Pompidou, MNAM-CCI
Laszlo MOHOLY-NAGY (1895-1946), Vue de Berlin depuis la tour de la radio, 1928, épreuve gélatino-argentique collée sur carton, 24,5 × 18,9 cm, Paris, Centre Pompidou, MNAM-CCI

Moholy-Nagy, professeur au Bauhaus de 1923 à 1928, a beaucoup théorisé la Nouvelle Vision7 et propose des formes nouvelles, des points de vue inédits qui transforment notre expérience et notre perception quotidienne8. Pour lui, ce n’est pas tant un nouveau regard sur le monde qui serait enregistré par la photographie, que le medium photographique qui renouvelle notre perception du monde.

 

Germaine KRULL (1897-1985), Couverture du portfolio d’héliogravure Métal (ensemble de 64 planches), 1928, 30 x 23,5 cm. Collection Bouqueret-Rémy.

Germaine Krull réalise un ouvrage autour du métal et incarne cette modernité. Elle choisit des points de vue, travaille sur les matériaux, sur la question des angles de vue penchés, des points de vue basculés. On retrouve cela chez Renger-Patzsch : à la modernité technologique, doit correspondre une modernité artistique. La photographie est un outil mécanique et industriel comme l’est la société.

 

Germaine KRULL (1897-1985), Rue Auber à Paris, 1928, épreuve gélatino-argentique, 16,9 x 22,9 cm, New York, MoMA
Germaine KRULL (1897-1985), Rue Auber à Paris, 1928, épreuve gélatino-argentique, 16,9 x 22,9 cm, New York, MoMA

Dans ces oeuvres, le sujet disparait du fait de choix photographiques marqués qui rendent abstrait un sujet figuratif. La tour Eiffel se désintègre au bénéfice d’une combinaison de formes graphiques élémentaires (ovales, cercles, triangles, lignes) en plan linéaire. L’effet de profondeur est ici annihilé, ne subsiste de la Dame de fer qu’un réseau de lignes.

Mexique et Stridentisme

Ramón ALVA DE LA CANAL (1892-1985), Édifice du mouvement stridentiste, 1926, gravure sur bois, Collection famille Alva de la Canal

Cet engouement pour la modernité est incarné au Mexique par le mouvement stridentiste, un courant d’avant-garde fondé au début des années 1920 et qui marque T. Modotti. Ce courant veut rénover le langage artistique. On veut faire table rase du passé artistique colonial et offrir des images modernes d’un nouveau Mexique9. C’est un mouvement d’avant-garde, subversif. La révolution esthétique est indissociable de la révolution sociale en cours, tout est en adéquation10.

Ce mouvement fait l’éloge de la modernité industrielle (machine, ville, vitesse, radio), comme une reprise du futurisme au Mexique mais avec une vision libératrice de la modernité car la machine vient libérer l’homme du travail. Les tendances fascistes du futurisme italien semblent donc bien éloignées de cet éloge mexicain de la modernité.

A. RENGER-PATZSCH (1897-1966), Installation de hauts fourneaux (cheminées), 1927, épreuve gélatino-argentique de 1979, 22,8 x 16,8 cm, Paris, Centre Pompidou, MNAM-CCI

En Europe à la même époque Renger-Patzsch montre des cheminées d’usines et exalte la monumentalité. Il s’intéresse aux usines mais aussi à la production. Son regard sur le métal est particulier car il s’intéresse au rôle de celui-ci dans la modernité et pose la question de la production en série et de la perfection technique qu’apporte le développement industriel.

 

 

Intérêt marqué pour la démultiplication

L’industrie produit en série, un peu comme la photographie qui elle aussi produit en série et parle de démultiplication par l’utilisation par exemple du reflet.

Tina MODOTTI ( 1896-1942), Verres, vers 1924-1925, tirage au platine, 20,3 x 25,4 cm, New York, collection Throckmorton Fine Art
Tina MODOTTI ( 1896-1942), Verres, vers 1924-1925, tirage au platine, 20,3 x 25,4 cm, New York, collection Throckmorton Fine Art

T. Modotti atteint la démultiplication par une superposition de négatifs et répétitions de formes. Pour elle, la modernité est l’idée d’une expansion. Alors que les roses étaient compressées à l’intérieur du cadre, les verres sortent de l’extérieur du cadre, les cercles débordent (hors-champ).

La production industrielle captive les photographes, qui s’intéressent aux objets et matériaux permettant cette exploration du medium photographique (netteté, transparence). Ce travail expérimental sur la qualité de certains matériaux et sur la multiplication a pu influencer des photographes mexicains comme Agustin Jimenez, tout autant qu’un photographe européen comme Renger-Patzsch.

Agustin JIMENEZ, Tacones, 1934

La répétition des formes, l’idée d’accumulation que produit l’industrie et que produit l’image photographique, deviennent des sujets actuels, dans les années 30. Les photographes travaillent la question de la série, de la reproductibilité.

A. RENGER-PATZSCH (1897-1966), Embauchoirs à l’usine Fagus, Alfeld, 1928

Les sujets industriels, les matériaux vont être aussi privilégiés par les artistes stridentistes.

Modernité et ascension

Les modernités photographiques vont trouver dans les gratte-ciel, les échafaudages un endroit où travailler la forme, le contraste entre ombres et lumières, la question de la construction d’un pays nouveau.

Tina MODOTTI (1896-1942ac), échafaudages,1925
Tina MODOTTI (1896-1942ac), échafaudages,1925

Malgré tout, chez certains photographes, la présence du corps, de l’individu persiste (trait caractéristique des photographies de T. Modotti après sa période abstraite).

Charles Clyde EBBETS (1905-1978), Lunch Atop a skycraper (Déjeuner au sommet d'un gratte-ciel), 20 septembre 1932
Charles Clyde EBBETS (1905-1978), Lunch Atop a skycraper (Déjeuner au sommet d’un gratte-ciel), 20 septembre 1932

 

Le thème de l’échelle ou de l’escalier apparaît comme un thème récurrent. Il peut être vu comme une image de l’ascension, de l’accession à la richesse.

Ce thème est présent chez Lola Alvarez Bravo

Lola ALVAREZ BRAVO ( 1907-1993), Les uns montent, les autres descendent, vers 1940, épreuve gélatino-argentique, 20,3 x 15,4 cm, Mexico, Musée del Estanquilla, Collection Carlos Monsivais

ou chez Manuel Alvarez Bravo11

Manuel Alvarez BRAVO, Une grande échelle, 1930
Manuel Alvarez BRAVO, Une grande échelle, 1930

La construction de formes évoque aussi le potentiel de richesse du pétrole (et le chiffre n°1).

Tina MODOTTI, Réservoir n° 1, 1927, épreuve contemporaine au platine par Ava Vaegas d’après le négatif de T. Modotti, 24 x 19 cm, Helsinky, Helsinky City Art Museum
Manuel ALVAREZ BRAVO (1902-2002), Triptyque béton 2 / La Tolteca, 1929, épreuve gélatino-argentique, 25,4 x 20,3 cm, Los Angeles, Rosegallery
Manuel ALVAREZ BRAVO (1902-2002), Triptyque béton 2 / La Tolteca, 1929, épreuve gélatino-argentique, 25,4 x 20,3 cm, Los Angeles, Rosegallery

Manuel Alvarez Bravo participe à un concours pour une fabrique de béton. Pour faire connaître le béton, il fait référence à l’immensité et choisit pourtant un cadrage fragmentaire. Ce cadrage structure en trois zones franches la photographie, à partir d’obliques légères qui dynamisent le regard. Ici, la plaque de béton devient puissance et grandeur, en occupant les 2/3 de l’image. Cette photographie construite par zones de planéité joue de cette limite entre abstraction et figuration.

Alexandre RODTCHENKO (1891-1956), L'escalier, 1930, épreuve gélatino-argentique, 29,6 x 42 cm, Paris, Centre ompidou, MNAM-CCI
Alexandre RODTCHENKO (1891-1956), L’escalier, 1930, épreuve gélatino-argentique, 29,6 x 42 cm, Paris, Centre ompidou, MNAM-CCI

À comparer avec A. Rodtchenko qui lui aussi à essayé de traduire la question de la monumentalité, au départ pour l’URSS. Puis il a composé des images qui évoquent cette modernité, le jeu des contrastes qui est évident. La composition formelle a une valeur politique.

« En 1923-1924, le photomontage m’a conduit à la photographie. Au début, la photographie était le retour à l’abstraction, elle était pratiquement « sans objet ». Le principal travail était la composition. »12

Prochainement : Partie  III La question de la photo documentaire et de l’engagement

 

Présentation des expositions des principaux artistes mentionnés dans cet article

François Kollar (1904-1979) :

Eli Lotar (1905-1969) :

Germaine Krull (1897-1979) et l’exposition à la Galerie du Jeu de Paume en 2015 :

Manuel Alvarez Bravo (1902-2002) :

  1. Albers Patricia, Tina Modotti et la Renaissance mexicaine in Tina Modotti et la Renaissance mexicaine, Editions Jean-Michel Place, Paris, 2000, p.18 []
  2. cf. exposition Albert Renger-Patzsch []
  3. surnommés ainsi par l’écrivain allemand stridentiste German List Arzubide dans Le mouvement stridentiste, Jalapa, Mexique, Ediciones de Horizonte, 1928, réédition, Mexico, Secretaria de Educacion publica, 1987, p. 54 []
  4. assemblage et combinaison d’éléments expressifs extraits de photographies ; pour plus d’information, consulter le dossier Photomontage de la Maison Doisneau []
  5. Gustav Klucis, artiste letton inscrit au PCUS (1895-1938) : « Le mot photomontage est né de la culture industrielle : montage de machines, montage de turbines. » []
  6. favorisée par l’apparition du tube de peinture Lefranc&Bourgeois, et le chevalet de campagne, permettant au peintre de peindre sur site, dans la nature même []
  7. Moholy-Nagy Laszlo, Peinture Photographie Film et autres écrits sur la photographie, Collection Folio Essais (n°478), Gallimard, 2007 []
  8. à mettre en lien avec le film de Dziga Vertov, L’homme à la caméra, 1929 []
  9. à mettre en lien avec le Futurisme []
  10. consulter l’article de Luis Velasco-Pufleau, Stridentisme et anti-fascisme dans le Mexique postrévolutionnaire, 2011 []
  11. sur les Bravo, consulter l’article de Laurent Aubague, « Manuel et Lola Álvarez Bravo : le couple fondateur de la modernité photographique au Mexique », Amerika [En ligne], 10 | 2014, mis en ligne le 30 juin 2014 []
  12. Alexandre Rodtchenko, Photographies, 1924-1954, Editions Grand []

Tina Modotti, photographe (partie 1)

Nous publions ci-dessous une version rédigée et élaguée des notes prises lors d’une conférence d’Eve Lepaon, conférencière au musée du Jeu de Paume. Cette intervention s’est déroulée le jeudi 25 novembre 2017 lors du stage organisé par l’Académie de Créteil pour l’ensemble des enseignants d’histoire des arts.

L’indépendance, l’autonomie et la question de l’engagement étaient des valeurs centrales pour Tina Modotti. L’ensemble des images qu’elle a produites peuvent être dites « mécaniques » (réalisées à partir de machines comme la photographie, le cinéma, la vidéo). Ces images ne relèvent pas toutes directement du champ de l’art ; certaines ont en effet en premier lieu un contenu social et politique.

A ce titre, Modotti peut être rapprochée de Germaine Krull1, qui pratiquait une photographie de reportage au départ plutôt formaliste, avant de s’orienter vers un travail à la dimension sociale et politique.

Une partie du travail de Tina Modotti est souvent occultée ; elle est d’ailleurs essentiellement connue comme modèle pour Edward Weston, et d’autres peintres comme Diego Rivera. Les ouvrages  consacrés à Tina Modotti privilégient souvent une approche biographique ou romanesque. Or, il y a des liens à établir avec le contexte historique et l’apport très particulier qu’elle offre au domaine de la photographie. Sa carrière de photographe a été courte puisqu’elle a duré à peine dix ans – tout au long des années 1920. Son travail n’a pendant longtemps pas été représenté mais à la suite d’un intérêt récent pour le rôle de l’image dans la presse, on a ressenti la nécessité de réévaluer son œuvre et d’étudier davantage le contexte de l’époque.

Elle offre un apport singulier à l’histoire de la photographie car elle établit une réflexion sur le médium mais aussi sur les usages qu’elle a eus de la photographie avec l’introduction de l’idée d’une photographie sociale, voire révolutionnaire. Elle a aussi eu une influence sur d’autres photographes mexicains passés ou présents (Manuel Alvarez Bravo, Graziela Iturbide)

Quel corpus ? Il y a eu peu d’études, peu d’expositions monographiques et une grande dispersion des tirages.

La photographie devient une arme sociale et politique. Tina Modotti rejoint le Parti Communiste mexicain en 1927, réalise des photographies documentaires des murs peints et photographie le monde populaire. Il y a donc une dimension de témoignage et un intérêt ethnographique. Ses images sont souvent utilisées pour illustrer la littérature et des revues de propagande communiste.

PLAN

I. Du pictorialisme à la photographie moderne : la photographie artistique

II Une approche plus moderniste marquée par le constructivisme

III La question de la photo documentaire et de l’engagement

I Du pictorialisme à la photographie moderne : la photographie artistique

Contexte mexicain

Le contexte des photographies de Tina Modotti est celui des conséquences de la révolution mexicaine. Du 20 novembre 1910 au 27 mai 1911 a lieu la révolution mexicaine qui est suivie d’une guerre civile de presque dix ans. Petit à petit, on assiste à l’échec de l’installation d’un pouvoir et même à l’assassinat d’un président.

Alvaro Obregon, président du Mexique de 1920 à 1924
Alvaro Obregon, président du Mexique de 1920 à 1924

Alvaro Obregon, élu président en décembre 1920, s’installe pendant quatre ans et contribue à consolider les acquis de la révolution. Il a été général des armées de Venustiano Carranza et instigateur de l’assassinat de Pancho Villa, qui, déçu de la politique de Carranza s’était allié en 1915 avec Emiliano Zapata. Il se rend en 1923 contre la promesse d’avoir la vie sauve mais sera assassiné.

Alvaro Obregon met en application les idées qui avaient émergé à travers une série de réformes agraires et le Mexique profite d’une relative paix sociale. Il développe une politique culturelle et éducative d’envergure dont fait partie une politique de commandes murales. Tina Modotti arrive au Mexique en 1922 dans un climat artistique et intellectuel très optimiste. Elle voit la révolution comme un mythe.

La politique culturelle est offensive et est menée par José Vasconcelos. Ce dernier s’est battu aux côtés de Venustiano Carranza mais à la suite d’un conflit, il a dû fuir aux États-Unis entre 1915 et 1921. Il revient à l’élection d’Alvaro Obregon et prend la direction de l’université nationale autonome du Mexique et crée le Ministère de l’Éducation publique. Il croyait dans le rôle de l’art pour améliorer la vie des gens et surtout des masses. Il mène une croisade pour l’éducation du peuple en encourageant l’éducation pour les « indigènes », en créant un réseau de bibliothèques, des missions culturelles, des écoles normales et des Maisons du peuple.

Jean Charlot, artiste français installé au Mexique qualifie cette période de « Renaissance mexicaine ». Il choisit cette expression en comparaison avec l’Italie car il voit des liens avec la vigueur artistique et les valeurs humanistes.

Biographie de Tina Modotti

Tina Modotti est née à Udine dans le Frioul en 1896, dans une famille pauvre. La famille part en Autriche entre 1897-1898 car le père a trouvé du travail mais ils reviennent en 1905 et Tina doit donc reprendre l’école en italien alors qu’elle l’avait débutée en allemand. La situation de la famille empirant, elle immigre progressivement aux États-Unis (le père part en 1908). Tina s’installe en 1913 aux États-Unis, à l’époque où l’immigration italienne est encore importante pour des raisons économiques. Elle vit d’abord à San Francisco et fréquente le milieu artistique.

Tina Modotti et Robo de Richey au travail dans leur atelier, Hollywood, 1921, publié dans California Southland, novembre 1921, p. 19

Elle se marie à un artiste peintre, Robo (Roubaix de l’Abrie Richey) et débute dans le théâtre et le cinéma. Elle tourne en tant qu’actrice quelques films muets pour Hollywood (The Tiger’s Coat).

Tina Modotti, Portrait d’E. Weston, février 1924, tirage argentique, 18,7 x 22,5 cm, New York, MoMA

Elle rencontre Edward Weston en 1920. Il est déjà un photographe célèbre (cf. son portrait par Tina qui montre déjà ce parallèle dressé entre le regard et son objectif, tournés dans la même direction. Il y a l’expression d’une forme de symbiose et d’une ambition ; le point de vue est en contre-plongée et accentue la monumentalité de la figure du photographe qui montre son admiration). Edward Weston est un représentant du pictorialisme, mouvement qui recherche une reconnaissance de la photographie en tant que discipline artistique et imite les moyens de la peinture et des arts graphiques. Il utilise une chambre et un objectif anachromatique qui produit des images douces et estompées avec une forme de flou. Il réalise des effets sur les tirages (virage chromatique). Tina Modotti devient son modèle, son assistante, sa compagne et voyage avec lui au Mexique où ils s’installent en 1922 après le décès du mari de Modotti. Le contexte particulier du Mexique attire beaucoup d’artistes. Modotti tire parti de son expérience d’actrice et devient modèle de peintres muralistes dont Diego Rivera. Elle bénéficie donc de ce statut qui a occulté longtemps sa carrière photographique mais elle est aussi éclipsée par la renommée de Weston.

Le travail d’Edward Weston

E. Weston choisit des sujets marqués par le symbolisme fin de siècle (rapport femme et fleur), réalise beaucoup de nus. Il évolue de la même façon que Stieglitz et Paul Strand et abandonne petit à petit les effets pictorialistes pour aller du côté de la Straight Photography (mouvement qui donne à voir les spécificités de la photographie et insiste sur la netteté et la précision des formes). Au début des années 1930, il forme le groupe F64 (référence à la plus petite ouverture du diaphragme qui donne une profondeur de champ maximale et donc une grande netteté de tous les plans mais nécessite un temps de pose long) et travaille à la netteté de l’image. Cette évolution est sensible dans le traitement de Tina Modotti comme modèle car on va du flou vers la netteté. Il travaille aussi sur des points de vue inédits : l’aplatissement par le travail de la plongée. C’est une manière d’explorer le potentiel artistique et de créer une image qui permet d’obtenir une nouvelle manière de voir.

Comprendre l’évolution du Pictorialisme à la Straight Photography

Alfred Stieglitz (1864-1946), The Hand of Man, 1903, platinotype, 16,2 x 21,3 cm, Los Angeles, Getty Center
Alfred Stieglitz (1864-1946), The Hand of Man, 1903, platinotype, 16,2 x 21,3 cm, Los Angeles, Getty Center
Alfred Stieglitz, The hand of men, 1911, photogravure, 24,2 x 31,9 cm, New York, The Metropolitan Museum.
Alfred Stieglitz, The hand of men, 1911, photogravure, 24,2 x 31,9 cm, New York, The Metropolitan Museum.

 

 

 

 

 

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Deux photographies de Stieglitz permettent de comprendre l’évolution à partir du milieu des années 1910. Il s’agit de deux tirages qui ont été réalisés à des moments différents et montrent son évolution par rapport au même sujet. Le pictorialisme oriente la pratique photographique vers un travail de retouche, une prépondérance du flou et des caractéristiques proches de l’impressionnisme. Au moment du second tirage en 1911, Stieglitz est sous l’influence des débats à propos des enjeux de la photographie qui préconisent une prise de distance par rapport au modèle, une plus grande netteté et précision des lignes et tout ce qui, de façon générale, va du côté de la modernité. On voit bien le potentiel graphique des rails, des poteaux.

Pour Steichen c’est la même chose. Né au Luxembourg et ayant une formation de peintre il s’installe à Paris en 1900 et va jouer un rôle essentiel dans la reconnaissance de la photographie.

E. Steichen, Autoportrait au pinceau et à la palette, 1901, héliogravure sur papier Japon, 21,3 x 16,1 cm, Paris, Musée d’Orsay. Parue dans la revue Camera Work 1903, N°2, avril 1903, planche III

E. Steichen se représente ici avec la palette et le pinceau alors même que c’est une image photographique mais l’image relève d’une certaine technique picturale : la retouche – les traces du pinceau sont visibles à la surface de la photographie. Le postulat est de placer le photographe au même rang que le peintre car ils partagent une même esthétique.

E. Steichen, Brooklyn Bridge, 1903, épreuve gélatino-argentique, 24,5 x 19,7 cm
E. Steichen, The_George Washington Bridge, 1931, épreuve gélatino-argentique, New York, Howard Greenberg Gallery

Ces deux photographies rendent manifeste ce passage du Pictorialisme à la Straight Photography (photographie pure) car le grain de l’image et les effets d’atmosphère s’estompent. En 1931, Steichen fonde son travail sur ce qui est propre au médium (le point de vue, le cadrage, la netteté) et affirme ainsi une esthétique moderne. Il met en valeur les éléments métalliques, le caractère graphique de cette modernité. Ce qui va commencer à compter, c’est la façon dont la photographie conçoit de nouvelles formes. C’est cette partie descriptive de la photo qui a été au cœur des débats.

E. Steichen, Grandes roses, Voulangis, France, 1914, tirage gélatino-argentique, 19,7 x 24,1 cm, New York, Fondation Aperture

On voit la douceur des pétales, la sensualité. La nature morte est une méditation sur le temps et certaines roses sont fanées. Le cadrage fragmente le réel (cf. tournesols). Cette esthétique de la fragmentation, ce point de vue qui aplatit le sujet, cet agencement de formes géométriques que l’image révèlent montrent qu’en travaillant sur ce qui est propre à la photo on peut montrer les choses de manière différente. La photo transforme notre perception du réel, transforme les formes.

Sous l’influence du travail de Weston, Tina Modotti va reprendre les principes de la photographie pure et cet intérêt pour la forme.

Tina Modotti, Roses, Mexique, 1924, tirage au palladium (platine), 18,8 x 21,6 cm, New York, MoMA

Elle reprend un sujet, celui de la rose, mais son cadrage est plus radical : découpé, fragmenté, il donne une impression de planéité, de compression à l’intérieur du cadre, comme une bi-dimensionnalité.

La Nouvelle Objectivité

Tina Modotti, Lys calle, 1924, épreuve gélatino-argentique, 25,4 x 20,3 cm, Throckmorton Fine Art
Tina Modotti, Lys, 1925

 

C’est une image encore floue qui montre le froissement des matières mais on sent que Tina Modotti va vers la netteté. Le contraste des valeurs naît du sujet mais la composition est plus graphique. Il y a l’expression d’une forme de pureté et Tina Modotti transcrit les matières avec jeu d’opacité et de transparence. On observe les mêmes phénomènes en Allemagne (cf. Renger-Patzch).

Le gros plan, le point de vue frontal font partie de l’esthétique de la Nouvelle Objectivité qui veut ainsi proposer une image sans subjectivité, la plus neutre, la plus distanciée possible et mettre en valeur les matières et les formes.

La photo de Tina Modotti démontre une étude des contrastes et des formes. Elle porte son attention sur la structure graphique de l’image plutôt que sur la fleur elle-même qui n’est qu’un enjeu pour travailler les ombres et lumières et donner à voir les contrastes entre la fragilité de la fleur et la force de la tige.

Dans son texte manifeste de 1929, Tina Modotti précise qu’elle ne recherche pas des effets artistiques au sens pictural. Elle veut réaliser une photographie sans trucages et recherche la qualité photographique. La mauvaise photo, c’est l’imitation des autres arts (dessin, peinture…) sans penser ce qu’est la photo. La bonne photo est celle qui accepte les limites propres à cet art et les caractéristiques de l’instrument, qui explore le potentiel intrinsèque : « fixer l’existence objective ».

Tina Modotti, Cactus, 1925, épreuve gélatino-argentique, 23,1 x 16,8 cm, New York, MoMA

Tina Modotti joue avec les points de vue. Le cactus est la plante emblématique du Mexique mais il n’est pas reconnaissable immédiatement. Tina Modotti ne s’intéresse pas à la propriété de la plante mais à sa forme, sa surface par le travail du point de vue et la lumière qui vient révéler l’état de la surface.

La plante est au centre de l’image et crée une composition abstraite (cf. Renger-Patsch) posant la question de la monumentalité par le travail du gros plan. En cela Tina Modotti rejoint l’abstraction. Ce n’est pas le cactus mais la répétition du motif des épines comme des étoiles qui se succèdent à la surface de l’image.

Tina Modotti, Tente de cirque (Gran Circo Ruso), 1924

Elle applique aussi cela à des sujets de la vie sociale. Ces photos ont été prises en compagnie d’E. Weston. L’intérêt qu’elle a pour ce sujet est un intérêt de forme car la photo révèle la structure géométrique de la toile de tente. Dans son travail elle « compose » mais inclut toutefois des personnes dans son cadrage car elle fait attention à l’individu et au corps. Sur le même sujet Weston exclut les corps (même titre).

Eli LOTAR, Le cirque Gleich, vers juin 1929, image positive obtenue par inversion de valeurs de la numérisation du négatif sur verre au gélatino-bromure d’argent, 4,5 x 6 cm, Paris, Centre Pompidou – Musée National d’art moderne – Centre de création industrielle

En Europe Eli Lotar2, roumain installé en France suit la même évolution. Il réalise des clichés sur des sujets analogues comme le cirque Gleich. On y voit des formes humaines visibles par ombre portée mais aussi des images quasiment géométriques ou une échelle qui traverse la composition. Ces photos étaient publiées dans des revues d’art décoratif.

Mise en avant des spécificités : la fragmentation

E. WESTON, Chapiteau, Mexique, 1924, Tirage gelatino-argentique, 9,8 x 7,5 cm, Los ANgeles, Getty Center
E. WESTON, Chapiteau, Mexique, 1924, Tirage gelatino-argentique, 9,8 x 7,5 cm, Los Angeles, Getty Center

 

A noter : E. Weston photographie en même temps que T. Modotti le chapiteau de cirque mais saisit son sujet de manière à obtenir une image abstraite, en décentrant son cadrage par rapport à l’oculus du chapiteau. Les lignes ainsi que les valeurs de gris structurent l’image.

L’abstraction en photographie a déjà été explorée par Paul Strand quelques années auparavant :

Paul Strand, Abstraction, 1916, épreuve argentique et platine, 32,8 x 24,4 cm, New York, The Metropolitan Museum
Tina Modotti, Interieur de l’église à Tepotzotlan, 1924, épreuve Palladium, 23 x 16,9 cm, New York, MoMA

 

 

 

 

 

 

 

 

Le sujet photographié existe mais la prise de vue rend difficile l’identification du sujet initial. D’autres moyens sont utilisés : Tina Modotti, comme Malevitch  l’avait fait, présente la photo « à l’envers ».

Tina Modotti, Feuille d'aluminium chiffonnée, vers 1926
Tina Modotti, Feuille d’aluminium chiffonnée, vers 1926

L’étude de textures et de contrastes, les essais de techniques constituent une autre piste,  pour explorer le medium et ses possibilités.

Albert Renger-Patzsch, Basalte, série Roches, 1962, 2preuve gélatino-argentique sur papier Agfa, 38,4 x 28,3 cm, Bonn, Kunstmuseum

A comparer avec Renger-Patzsch : photographie de roches. Il s’agit d’une composition qui est un jeu de contrastes de valeur et de formes.

 

E. Weston rentre seul aux USA. Tina Modotti poursuit son travail en tentant de vivre de la photo. Elle enregistre la vie « objective » dans toutes ses manifestations et va s’orienter du côté de la modernité. La photographie est un medium moderne pour donner à voir la modernité à l’œuvre au Mexique. Elle s’appuie donc sur la valeur objective et documentaire de l’image.

   Prochainement : Partie  II Une approche plus moderniste marquée par le constructivisme

Pour compléter : lire le dossier en ligne de la BNF « Objets dans l’objectif », notamment « Emancipation« , « Détournements » et « Sacre de l’objet« .

Pour compléter : consulter le site des Editions Le Point du jour, qui propose une sitographie sur Tina Modotti et une bibliographie sur les relations entre art, photographie, politique et document :

– Dominique Baqué, Pour un nouvel art politique, Flammarion, 2004

– Walter Benjamin, L’œuvre d’art à l’époque de sa reproductibilité technique (version de 1939), Gallimard, Collection « Folioplus philosophie » n° 123, traduction de Maurice de Gondllac révisée par Rainer Rochlitz, dossier et notes réalisés par Lambert Dousson, 2008.

– Jean-François Chevrier et Philippe Roussin (dir.), « Le parti pris du document », Communications, n°71, 2001.

– Collectif, « Le statut de l’auteur dans l’image documentaire : signature du neutre », Document 3 / Jeu de Paume, 2006.

– Olivier Lugon, Le Style documentaire. D’August Sander à Walker Evans, Macula, 2001.

– Gaëlle Morel, Photojournalisme et art contemporain, Les derniers tableaux, Éditions des archives contemporaines, 2008.

– Michel Poivert, La Photographie contemporaine, Flammarion, 2003.

  1. à consulter également : exposition au Jeu de Paume du 2 juin au 27 septembre 2015 []
  2. à consulter également : article Paragone sur exposition Eli Lotar []